Il faut savoir que Devil May Cry devait être à la base le 4^ème épisode de la série Resident Evil ! Et oui !

Mais au fur et à mesure du développement, le gameplay ayant tellement changé, il devient un jeu à part entière et fut rebaptisé.

L’univers et le scénario sont inspirés en bonne partie de La Divine Comédie (de nombreuses références à la mythologie sont présentes). Un jeu qui vient de sortir appelé Dante’s Inferno (que je viens d’acquérir sur XBOX 360 mais il n’est pas vintage, donc passons), s’inspire de la même œuvre…

Donc Devil May Cry (DMC) sort sur PS2, on est en décembre 2001, c’est tout juste pour espérer l’avoir à Noël…

Ce jeu qui a quand même révolutionné le jeu de combat et de plateforme à la troisième personne, il faut dire que DMC a son gameplay et ses petits trucs bien à lui…

Déjà son scénario…

On découvre notre héros, Dante, qui est ni plus ni moins que le fils de Sparda (Sparda est un démon qui s’est révolté contre les siens et qui a sauvé les humains lors de la grande guerre entre les 2 mondes). Réussissant à vaincre le seigneur des démons, il pris peur de ses pouvoir et les enferma dans son épée (qui porte son nom) et  scella la porte du monde inférieur grâce à l’épée et une amulette. Bref, c’est raccourci, mais bon, si ça vous intéresse, vous trouverez plus de détails sur Google ).

Dante est mi homme, mi démon (sa mère était humaine), Dante a monté une agence de détectives privés assez spéciale, le « Devil May Cry» . Il s’occupe des affaires liées au paranormal.

Une femme, Trish, contacte Dante pour une affaire très spéciale. En gros le seigneur du monde inférieur à réussi à se libérer et c’est Dante qui doit à son tour sauver l’humanité en le renvoyant d’où il vient, il reprend le taf du père en somme.

Voila pour les détails du scénario, ce qui a fait la renommé de Devil May Cry, c’est également son Gameplay et sa difficulté, le tout dans une ambiance gothique à souhait !

De très nombreux gamers détestent ce jeu et d’autres (dont je fais partie) adorent !

Comme je disais plus haut, ce qui à fait la renommée de Devil May Cry est sa difficulté, ce qui rappelle ma jeunesse quand il fallait recommencer le niveau à chaque fois que le nombre de vies était épuisé. Dans DMC, on peut sauvegarder mais uniquement à la fin d’une mission (qui peut s’avérer longue).

Ensuite, les combos, DMC est un des premiers jeux à « noter»  les combos avec une note de style, ce qui vous permet de gagner plus de points et grâce à son arsenal, Dante peut exécuter de nombreux coups tous différents les uns des autres (plus ou moins).

Dante dispose d’une grande épée « Force Edge»  et de 2 flingues « Ebony & Ivory« , au fur et à mesure du jeu, il acquiert différentes armes comme un katana, une épée de foudre « Alastor» , des gants enflammé « ifrit»  (Grâce à « Alastor»  et « ifrit»  Dante peu se changer provisoirement en démon et ainsi décupler ses forces) et l’épée qui porte le même nom et les pouvoirs de son père « Sparda» . Mais il à également à sa disposition un bon vieux canon scié, un lance grenade et Nightmare-B, une arme « Laser»  du monde inférieur (armes de DMC1)

Donc voilà on a de quoi défourailler du démon dans ce jeu, j’ai toujours adoré envoyer les ennemis en l’air et les faire léviter grâce à la vitesse de tir des guns de Dante.

Que dire d’autre à part qu’un anime inspiré de DMC est sorti en 2007 – 2008 comprenant 12 épisodes de 25 min découpés en 4 volumes, les 2 derniers volumes viennent de sortir en Europe. Réalisé par Madhouse Production, il est pas mal, les animations sont fluides et bien faites, mais bon, personnellement, j’ai pas plus accroché que ça au scénario, même si Dante à également un certain charisme dans l’anime, je l’ai trouvé plus « fébrile»  (bon tout est relatif, d’autres le trouveront super…). Quoi qu’il en soit les fans des jeux aimeront l’anime qui en est très proche.

Le trailer :

Mais un genre a fait son apparition bien avant ces grosses pointures, le Tactical Football RPG !

« Mais qu’est ce que c’est que ça ?»  me demanderez-vous ma chère Maryse, et bien, c’est comme le Port-Salut, c’est écrit dessus, du foot à la sauce RPG (RPG du genre Final Fantasy Tactics).

Et, quand on mixe ce genre avec LA référence manga du foot, j’ai nommé Captain Tsubasa, cela donne sur Super Nes: Captain Tsubasa 3.

Description

• Titre Complet:Captain Tsubasa 3, Kôtei no Chôsen
  Date de Sortie (uniquement Japon): 17 Juillet 1992.
  Type: Tactical Football RPG.
  Support:Super Famicom (Super Nintendo)
  Histoire: Les pérégrinations des héros de Captain Tsubasa, et de certains inventés pour le jeu, dans leurs clubs respectifs avant de partir à la conquête de la Coupe du Monde avec l’équipe du Japon.

Han l’aut’, Subjectif Man va !

Ben ouais, j’avoue qu’il est difficile d’être objectif sur un jeu quand on adore la série dont il est tiré (voir mon article sur Captain Tsubasa). Mon appréciation se base alors surtout sur la retranscription de l’ambiance survoltée et intense des matchs, sur la dramatisation au possible des situations de jeu, sur l’appréciation des personnages.

Je vous le dis tout de go, j’adore ce jeu, je le kiffe comme disent les jeunes fans de Tokio Hotel, je le love, comme disent les jeunes pucelles adoratrices de David Hallyday, il roxx, comme l’hurlent les geeks lors de la sortie d’une nouvelle carte graphique qui explose tout.

Hiiiiiiiiiiiii !!

A noter que 2 précédents jeux sur le même principe sont sortis sur la Famicom (Nes), notamment le 2ème épisode qui était une véritable tuerie et qui exploitait un max les capacités de la Nes, la qualité graphique et sonore y était impressionnante.

Et pourquoi donc tu le zaimes tellement ce jeu ?

Avant de parler du système de jeu assez perturbant au premier abord pour un jeu de foot, je vais vous décrire l’ambiance qui ressort de ce jeu fantastique.

Si vous avez suivi un peu Captain Tsubasa, surtout l’anime (à noter qu’IDP va sortir prochainement les 128 épisodes de la série originale en … VOSTFR !!!!!!!!! bave…bave…), vous comprenez que par ambiance je veux dire musiques fantastiques, sauts à 15 mètres de haut, frappes de dingue à 100 km/h, terrains de 20 km de long… Et encore, la précision au niveau retranscription y est chirurgicale, on a même le commentateur Thierry Rolandien bien chauvin qui soutient sans se cacher les équipes où les joueurs du Japon évoluent (bon, on n’a pas son rire, on est sur Super Nes, en 1992, y’a pas trop de voix digitalisées encore !).

Heinhein heinhein heinhein !!

Donc, je vous parlais des musiques, simplement, en regardant le générique du jeu on se prend une petite claque dans la gueule (je vous rappelle qu’on est en 1992), avec des scrollings de ouf, une vitesse incroyable, bref, quelque chose qui met les choses en places. Enjoy:

Han putain ces frissons qui parcourent mon épine dorsale tels la cavalcade dans le clip de Shakira (greu) !

Whenever wherever gnagnagnagnagna (Attention derrière toi Shakira, des Ponayz !!)

Tout au long du jeu les musiques se mettent en place, on a, pendant 3 ou 4 matches à suivre, la même mélodie, puis, une autre séquence arrive, etc etc…

Toujours très dynamiques, sans être chiantes, ces mélodies sont un des points forts de ce jeu, tout en évitant de tomber dans la répétition. On se prend même à fredonner pendant le jeu.

Graphiquement, comme évoqué un peu plus haut, on s’en prend plein les mirettes ! Captain Tsubasa 3, comme les précédents épisodes, a cette capacité de recréer l’atmosphère de l’anime avec précision.

Tecmo, l’éditeur du jeu, avant de faire des jeux avec filles aux gros boobs (Dead Or Alive), savait autrement manier sa fibre graphique pour nous offrir des effets spéciaux et des animations totalement énormes pour l’époque.

Et vla les gros ballons de Volley!

Les gros plans sur les têtes des joueurs sont respectés (avec leurs pensées ante-tirs (j’invente des expressions et je vous emmerde !)), la courbe des terrains est très accentuée, les sprites sont énormes, c’est fluide, c’est beau, ça décolle la rétine et lave votre linge.

Les animations sont tout aussi incroyables, notamment certaines frappes bien décomposées qui m’ont toujours impressionnées, par exemple, la « Frappe Cyclone»  de Tsubasa, ou le « Drive-Fire Twin Shot»  (Tsubasa et Schneider) qui sont des modèles du genre:

Ce qui reste en tête, c’est cet ensemble dynamique que constitue le jeu. On a toujours l’impression de jouer à 100 à l’heure, avec le tout que forme le jeu.

Bref, bonnes musiques+graphismes de fou+rapidité = OMFG, quel putain de jeu !

Et je ne vous ai pas parlé du coeur de ce titre, le gameplay !

Attaque Flamme -100 PV -10 Mana !

Haha, que tu es naïf jeune vieux lecteur, tu as vu RPG et tu t’es dis que t’allais balancer des attaques de taré avec des dragons cracheurs de feu ! Que nenni, on est dans du Tactical RPG  adapté au monde du foot ! Vous allez me demander:  « Mais comment est-ce possible ? Y’a rien de plus chiant que le foot, LOL !» .

Ah, je reconnais bien votre esprit trolleur, prêt à balancer des vannes sur ces salops de footballeurs trop payés (et hop, j’ai réussi à la placer)!

Bon, retournez dans votre enfance, le jeu du Buteur, vous vous souvenez ? Le jeu de société basé sur le foot avec la grille sur un plateau de jeu cartonné, avec différentes cartes pour effectuer des actions, tirs, tacles…

Et bien, transposez ce jeu de plateau dans un jeu vidéo, et vous obtenez à peu près Captain Tsubasa 3 !

Le jeu est assez simple à manier.

Vous vous déplacez sur le terrain, avec la possibilité, à tout moment du jeu, d’effectuer une action en appuyant sur le bouton B: tir, passe, dribble, 1-2 quand vous êtes en attaque et tacle, interception, blocage et laisser passer quand vous êtes en défense.

Attention, ces actions se déclencheront d’elles-mêmes si vous êtes en attaque et que 1 ou plusieurs joueurs viennent à votre rencontre ou si vous êtes sans le ballon et que vous entrez en contact avec le joueur le possédant.

Quand vous êtes en phase de choix d’une action, le temps s’arrête et vous pouvez, comme dans un Tactical RPG, prendre votre temps pour effectuer le choix de vos actions.

Il y a bien entendu les phases de gardien où vous pouvez choisir, soit de bloquer, soit de puncher le ballon.

Pour rendre le jeu encore plus riche, certains (beaucoup) de joueurs ont des actions spéciales, que ce soit en défense ou en attaque. Par exemple, Ken Wakashimazu peut puncher les ballons avec un « shûto» , ou Sôda peut tacler les joueurs avec son terrible « razor tackle» . Je vous ai décrit quelques frappes un peu plus haut dans cet article.

Aussi, vous pouvez, comme dans tout bon jeu de foot qui se respecte, faire des changements et modifier la formation de votre équipe. Vous pouvez même mettre en place un marquage individuel (qui est assez peu performant…).

Ce qui agrémente la richesse de ce jeu, c’est aussi la possibilité, au lieu de suivre le mode Histoire, de faire des matchs All-Stars, c’est à dire de former votre propre équipe avec les différents joueurs célèbres du jeu. Vous me direz « ouais, on verra plus d’actions avec des animations» , et bien pas seulement !

Vous pourrez, au cours de ces matchs All-Stars, faire des combinaisons qui n’auraient pas été possible dans le mode Histoire (notamment le « Drive-Fire Twin Shot»  décrit plus haut). Les matchs, bien entendu, s’en trouvent beaucoup plus intéressants.

Et vla la grosse série de jeux à rallonge !

Captain Tsubasa 3 a connu un nombre de suites assez important.

Il y a eu CT4, moins captivant et sensationnel que le 3, mais plus beau graphiquement, CT5, qui offrait une nouvelle perspective de jeu, avec des graphismes encore améliorés et des voix digitalisées (très bon jeu soit dit en passant). Il y a eu cette bouse infâme qu’est CTJ, toujours sur SNES, moche et injouable, qui a flanqué en l’air toute une série qui avait son mode de jeu à soi.

Un autre CTJ a fait son apparition sur PS1, pas terrible non plus. On a eu aussi droit à un autre épisode sur PS1, reprenant le bon vieux système, assez réussi.

Enfin, un épisode est sorti sur PS2, je n’ai jamais pu y jouer, mais il m’a l’air assez attrayant:

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Je vous passerai l’anecdotique Captain Tsubasa sur Mega CD, une sorte de clone de CT4, mais en moche et chiant, qui ne vaut que pour sa superbe musique d’intro (bordel de mayrde, on est sur Mega CD, ils auraient pu se casser le cul niveau graphisme !):

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Mais, dans l’histoire de cette série de jeux vidéos, les seuls qui auront retenu mon attention, est le sujet de cet article, et les 2 premiers sur Nes.

Captain Tsubasa 3 est un jeu à essayer, beau, nerveux, ambiance énorme… J’adore y rejouer de temps en temps et ne m’en lasse jamais !

Pour s’échauffer, commençons par un petit passage biographique.

Bernard Wantier, de son vrai nom, est né le 28 décembre 1953 à Hénin-Beaumont (Pas de Calais). Il est musicien, comédien et s’est fait connaitre avec le groupe Les Musclés notamment pour leurs participations au Club Dorothée, ainsi que pour l’interprétation de nombreux génériques de dessins animés et séries diffusés dans cette même émission.

Avant le club Dorothée ?

Et bien avant ça, Bernard Wantier (pour le moment on va le nommer comme ça vu que c’est son vrai nom déjà et qu’en plus à ce moment là il l’utilisait comme tel) n’a pas chômé. En effet, il a d’abord commencé par se produire dans les bals de sa région en 1969, et oui les fêtes à neuneu et tout ça. Car il fût un temps où il fallait faire ses preuves à petite échelle avant d’être popularisé (spéciale dédicaces aux émissions tout caca qui passent à la télé actuellement, mais passons si vous voulez bien).

C’est ainsi que l’année suivante il est monté à Paris (oui expression ô combien logique mais bon c’est comme ça, même si je n’approuve pas, j’utilise, c’est comme les … hmmm enfin bref).

L’aventure parisienne

Passionné et talentueux, Bernard est vite repéré parmi les groupes musicaux qu’il a fréquenté. Ainsi des opportunités de travail s’offrent à lui et il a donc pu collaborer avec les plus grands (de l’époque) comme Charles Aznavour, Nicole Croisille, Richard Clayderman, Sheila, Philippe Lavil, Mort Shuman, Alain Barriers, Alan Chamfort et Thierry le Luron.

Et c’est peu après qu’il va rencontrer et commencer à travailler avec, je vous le donne en mille : Dorothée ! Non personne ne s’en doutait, c’est pas vrai.

Cette aventure lui aura aussi permis de remporter un premier prix de percussion au conservatoire national, et ça c’est pas du pipeau (puisque c’est de la percu… oui je serai puni pour cette blague horrible).

L’aventure solo

Malgré ses talents incommensurables d’acteur (qui pouffe dans le fond ?), Bernard Minet continuera de produire des albums solo tout au long de sa carrière, et pas juste deux ou trois comme ça histoire de, non non mon bon monsieur (et ma bonne dame). En vrai touche à tout, et batteur d’origine, la plus grande œuvre de sa composition (par grande j’entends celle pour laquelle il y a eu le plus de parution) est une série de CD de la collection « Synthétiseur Les plus grands thèmes classiques» . Et ça tout de suite ça en bouche un coin à certains.

Un de ses gros succès sera même un montage de sample tiré des commentaires sportifs de Thierry Roland et Jean Michel Larque (pour les connaisseurs, et les autres de tout façon c’est comme ça).

Cette période, si on peut dire (vu que tout se chevauche un peu, on ne chôme pas chez Bernard !) sera aussi celle de la sortie d’album pour les petits et les gentils, qui est d’ailleurs le nom d’un d’entre eux : Bernard Minet chante pour les petits et les gentils. Si c’est pas mignon ça. Plutôt que de blablater pour paraphraser, voici une petite liste des albums solo de Monsieur Minet :

1990 : Synthétiseur 5 – Les Plus Grands Thèmes Classiques
1991 : Synthesizer Greatest – The Classical Masterpieces
1991 : Jolies petites filles
1993 : Bernard Minet
1994 : Bernard Minet
1996 : Bernard Minet chante pour les petits et les gentils
2002 : Génération Bioman

Les Musclés et le Club Dorothée

(on garde le plus important, les génériques, pour la fin, comme à la télé, et je vais mettre des pub avant même, peut-être)

Le début de la collaboration avec Dorothée et les Musclés marque un tournant dans la vie de Bernard Minet. À partir de 1987 il apparaitra tous les mercredi après-midi dans l’émission club Dorothée avec son groupe. Groupe dans lequel il est batteur et chanteur.

Musicalement d’abord, les musclés vont connaitre assez rapidement un succès disons…. important. Ils participent aux concerts de Dorothée en tant qu’accompagnateurs musicaux, Ils produisent leurs propres morceaux et tournent même des clips de fou ! « C’est la fête au villaaaaaageuh …»  Hop essuyage d’une petite larmichette qui coule malgré moi. Une petite liste de leurs album :

1989 : La fête au village
1990 : Vive la France
1991 : Les Musclés
1993 : Les Musclés
1994 : Les Musclés
1994 : La Plaine Saint-Denis
1995 : La bombe atomique
1996 : Faites la fête avec les Musclés (compilation)
2007 : The retour (compilation)

Encore plus fort que la musique, la télé ! C’est en 1989 qu’arrive tel un tsunami la série philosophique  » Salut les Musclés»  où on suivait avec délectation la vie de Cinq copains qui vivent ensemble et doivent assumer la prise en charge de la nièce d’un d’entre eux (Framboisier). Dans cette série Bernard Minet joue le rôle du timide qui se fait maltraiter par sa petite amie. Il est aussi le sentimental, et avec Framboisier, surement l’un des personnages les plus appréciés de la série. Enfin, jusqu’à l’arrivée de la charmante extra terrestre Hilguegue, encore que cette préférence est peut-être juste une question de goûts personnels.

Toutefois cette série connait un succès plus que raisonnable et des évolutions aussi loufoques qu’accrocheuses (pour le public de l’époque hein, j’avais une dizaine d’année alors on pardonne s-il-vous-plait). Ainsi en 1995 AB production décide de faire une suite ! Et là, ils ont une idée de fou : et si on mettait tout ce petit beau monde sur un bateau de croisière ? Ça leur permettrait de rencontrer plus de gens et donc de mettre en scène encore plus de subtilité (ou stupidité oui, mais du moment que le public suit de toute façon). « La croisière Foll’amour»  est née. Les personnages récurants les plus appréciés de l’ancienne série vont suivre, à savoir les musclés, Hilguegue et Valériane, une autre charmante extra-terrestre… (Note personnelle : trouver leur planète d’origine).

Les génériques !!!

OUAAAAIIIIISSS !!!!! Enfin, youpi, wouhouhouhou tirelipimpon sur le chihuahua ! (spéciale dédicace à Carlos, s’il nous lit…. oui oui han c’est de mauvais goût beurk, bah vous verrez quand je ferai un article sur lui, ça sera du lourd… et oui j’enchaine, tel Laurence Boccolini avec des maillons faibles… bref.)

Dès 1985, Bernard Minet commencera à interpréter des génériques pour le groupe AB avec « Biskitts»  puis « Go Gobots» . Au début, ses interprétations sont anonymes et même parfois méconnaissables par une déformation de sa voix (les Bisounours). Suivront des signatures de certains animés déjà existants chez le groupe AB. Et en 1987 : Goldorak (sous le pseudonyme de Minek) et Silverhawks (attribué aux Musclés).

C’est là que tout se fait pour ses collaborations aux génériques des émissions d’AB. Maintenant confirmé comme interprète, d’une part sa carrière solo monte, mais aussi celle des Musclés et surtout le nombre des génériques interprétés. La majorité de ses génériques étant destinés à des émissions et dessins animés diffusés dans le club Dorothée. En vrac on retiens bien entendu Bioman, Juliette je t’aime (han si, certain(e)s s’en souviennent surement), le collège foufoufou, l’école des champions (dédicace à Gwen, ne m’en veux pas trop), les chevaliers du zodiaque.

Ces génériques, s’ils ne brillent pas par leurs textes, prennent toute leur signification par l’interprétation qu’en fait Bernard Minet, allant jusqu’à se déguiser pour les chanter en public ou pour paraitre sur les covers. Leur diversité fait que n’importe quel enfant ayant connu la télé au début des années 90 connait forcément au moins un générique du chanteur. Chacun ayant ses préférences bien entendu, que ce soit vraiment quant au générique ou plutôt concernant la série qu’il illustrait. Une petite liste piquée sur wikipédia pour illustrer la dimension de l’œuvre et sa diversité.

Adrien le sauveur du monde
Les Attaquantes
Bioman
Bioman 2 : Maskman (Dis-moi Bioman, avec Sandrine et Stéphanie)
Bioman 3 : Liveman (Bioman est de retour)
Biskitts
Les Bisounours (Je veux être un Bisounours)
Les Chevaliers du zodiaque
Club Dorothée (C’est toujours les vacances au Club Dorothée)
Le Collège fou, fou, fou
Conan l’aventurier
Dragon Ball et Dragon Ball Z
L’école des champions
Flashman
Fly
GI Joe
Giraya
Go Gobots
Goldorak
Grand prix
Le grand Sherlock Holmes
Gu gu Ganmo
Jaspion
Jeu set et match
Jiban
Juliette je t’aime
Marc et Marie
Muscleman
Patlabor
Paul le pêcheur
Pygmalion
Ranma 1/2
Le Roi Arthur
Robotech
Sailor Moon
Les Samouraïs de l’éternel
Sharivan
Sheider
She-ra
Shurato
Spiral zone
Turbo rangers
Willy boy
Wingman
Winspector

Alors bien sur, je ne les connais pas tous, que ce soit les animés ou les génériques, mais il y a là de quoi rappeler des souvenirs à beaucoup. Je vous invite d’ailleurs à évoquer vos préférences dans les commentaires et même à vous battre pour défendre votre point de vue.

Et maintenant ?

Suite à l’arrêt de l’émission le club Dorothée, Minet s’est fait discret quelques temps. Et puis après un petit passage à vide, il a commencé à se produire dans les discothèques et clubs pour interpréter, avec succès, ses plus grand titres, dont beaucoup sont des génériques. Il commence d’ailleurs la plupart de ses concerts commencent par le célèbre « Salut bande de tarés»  et bioman.

Il a fait aussi une fois une apparition dans un salon japanique à tendance mangas à Rennes (35) il y a de cela quelques années. C’est, à ma connaissance, sa seule apparition dans ce genre d’évènement. Et, chanceux que je suis, je l’y ai vu. Nous y avions eu droit à une conférence de presse où mon collègue Gwen et moi avons appris que Bernard Minet ne regardait pas les séries pour lesquelles il chantait les génériques, d’une part par manque de temps, et d’autre part parce qu’il n’aime tout simplement pas vraiment les mangas et autres animés. Et oui, ça casse le mythe hein.

Mais rassurez-vous, il est tout de même très sympa et il s’est montré disponible lors de cette conférence. Suite à cela, il nous a gratifié d’une séance d’autographes ! Après une heure et demi de queue, j’ai pu lui serrer la main, me faire prendre en photo avec lui et il m’a signé une carte pré-faite avec une faute d’orthographe, et ça, c’est la classe. Et en plus être accueillit par Bernard Minet qui nous lance joyeusement un « salut les copains»  en entrant dans la petite pièce où il était brrr rien que d’y penser j’en ai des frissons.

Après cet intermède jubilatoire, la journée n’était pas fini oh non ! Après les séances de dédicaces et de conférence, Bernard Minet donnait un concert pour le salon. Et là, la claque. Amateur de festivités que je suis je n’avais jamais vu un public aussi hétéroclite : tous ages, tous niveaux sociaux, tous goûts vestimentaires et musicaux. Et à la minute où la première note a été jouée, toute la salle (comble bien sur) chantait en cœur. En artiste généreux, Bernard Minet nous avait réservé un spectacle complet avec bon nombre de ses plus célèbres génériques.

De plus il nous avait réservé quelques surprises en interprétant par exemple les génériques de Dragon Ball qui étaient à l’origine chantés par Arianne (co-présentatrice du club Dorothée). Et il faut bien avouer que ça donne une toute autre dimension à la chose. La plus grande surprise, et émotion fût cependant sans aucun doute l’interprétation du générique de Saint Seiya (les chevaliers du zodiaque) avec l’air japonais mais des paroles traduites (qu’un fan lui avait envoyé par mail). Et si jamais avant cela il y avait dans la salle encore un sceptique quant à son talent, il est sur qu’après ça, sa vie a changé, la mienne aussi d’ailleurs.

La fin ?

Pour l’article oui, pour Bernard Minet non, en 2007 les retrouvailles avec les Musclés ont permis la sortie d’un nouvel album, avec notamment la chanson « Nicolas et Ségolène» . Je suis sûr que si on croise les doigts très très fort, un jour il reviendra tel Arnold Schwarzy (nom à la @+! aussi) dans sa superbe réplique. En attendant je vous laisse à vos rêveries et à vos éventuels débats sur vos préférences « génériquaires» .

Plus de détails sur la page wikipédia dédiée et bien sûr, sur le site officiel de Bernard Minet.

L’OAV (2003) est l’adaptation d’un des premier manga de l’auteur (publié en 1964). Cette fois-ci, il nous emmène au fond des océans, où se joue une nouvelle lutte de pouvoir.

En effet, les humains, ayant totalement colonisés les terres se battent désormais pour contrôler le fond des mers.

Il faut le dire, le sous-marin a de la gueule ! En même temps, Leiji Matsumoto ne nous a jamais déçu dans le design des vaisseaux (qu’ils soient spatiaux ou sous-marins)…

Nous sommes donc dans le futur, une nation appelée l’Empire de l’Océan revendique la possession des ressources sous-marines et coule de nombreux navires, un peu à la manière du capitaine Némo avec le nautylus dans 20000 lieux sous les mers…

Le Dr Oki, océanologue disparait alors qu’il était envoyé en exploration avec un de ses petits fils (Goro). Un peu avant il avait remis à son plus jeune petit fils (Susumu) une clé gravée 99, la clé du Super Submarine 99.

Susumu part donc à la recherche de son frère et de son grand père avec le super sous-marin high-tech et écolo.

L’action de ce manga se passe donc sous les flots, ce qui peut être facilement comparé à bon nombre d’autres séries de l’auteur qui se passent dans l’espace (océan=espace, sous-marin=vaisseau spatial).

Même si le thème scénaristique est proche d’Albator : un héros rebelle, un génie de la technologie qui a mis au point un vaisseau ultra-sophistiqué et un ennemi qui tente de s’emparer de territoires, le manga est bien rythmé et se différencie largement des autres.

Les dessins sont d’une grande qualité, les fans reconnaitront tout de suite la griffe de l’artiste et les batailles sous-marines, bien menées, nous tiennent en alerte à chaque coup de torpille ; – ) !

Le manga comporte 13 épisodes de 25 minutes :

1. Le bathyscaphe a disparu
2. Le super sous-marin appareille
3. Duel à 12000 mètres
4. Un raid réussi
5. Le défi du jeune guerrier
6. Les mains en l’air
7. Le traquenard
8. Le couronnement de l’Empereur
9. La décision d’un illustre Amiral
10. Destruction de l’Empire
11. Adieu, illustre amiral
12. Le combat final
13. Vers un nouvel océan

Submarine Super 99 est agréable à visionner, la masterisation étant récente, les dessins et l’animation (La faune et la flore sous-marine, nice !) sont corrects.

Je conseille cet OAV à tous les fans de Leiji Matsumoto.

Comme d’habitude, quelques aperçus pour vous donner envie de vous procurer l’OAV (facilement trouvable dans le commerce ou sur le web).

Bande annonce :

Épisode 1, partie 1 :

Plus d’infos sur le manga Super Submarine 99 sur DVDanime.net

Bon, autant le dire tout de suite, même si vous n’êtes pas un Geek « vampiristique» , ou tout simplement pas fan de vampire, ce manga devrait vous faire changer d’avis.

Avec un univers très sombre, Hellsing vous plonge dans une ambiance gothique à souhait avec une pointe d’humour et de charisme. La BO est originale et renforce l’ambiance glauque de l’OAV.

Un peu d’histoire :

L’action se déroule au Royaume-Uni, le décor est donc  pluvieux et brumeux. Les vampires envahissent les villes et  les campagnes, même si le gouvernement nie l’existence de ces « assoiffés de sang» , une organisation secrète, La Fondation Hellsing, lutte contre ce mal grandissant.

La fondation est dirigée par Integra Wingates Hellsing, fille d’Abraham Van Helsing qui a vaincu Dracula dans les années 1890 et fondateur de l’organisation Hellsing.

Très puissante en moyens militaires (soldats lourdement armés, tank…), la fondation Hellsing dispose d’un atout très puissant : Alucard.

Alucard est « Le»  vampire, comme vous l’avez remarqué, Alucard est un Anacyclique (ou anagramme) de Dracula, Alucard = Dracula.

Le père d’Integra, Abraham Van Helsing à vaincu le vampire Dracula mais ne l’a pas tué, en échange, le vampire se met au service de la fondation Hellsing.

Tentant de s’échapper par la suite, Abraham Van Helsing l’enferma dans le sous sol du manoir de la fondation après avoir scellé ses pouvoirs.

Comment Alucard s’est retrouvé au service d’Integra ?

Bas oui, s’il est enfermé au sous-sol !!

Sir Van Hellsing meurt emporté par la maladie alors qu’Integra était très jeune (12 – 14 ans, on sait pas trop). Arrivant ainsi à la tête de la fondation, ce qui n’est pas du goût de son oncle !

Alors qu’elle est en danger car son oncle et ses sbires veulent la tuer pour prendre sa place à la tête de la fondation, elle se réfugie au sous sol sous les conseils que lui avait donner son père lorsqu’il était encore en vie. Elle est censée trouvé l’oeuvre la plus aboutie d’Hellsing. Ne sachant que faire, étant sous la menace de l’arme de son oncle, elle ouvre la porte du cachot et tombe à la renverse en se prenant une balle dans le bras…

Alucard, enfermé dans une camisole de force, boit un peu du sang jaillissant du bras de la Baronne Integra…

Bon, je vais pas tout vous raconter car déjà c’est pas le but de l’article, ensuite, c’est mieux de se rendre compte par soi même…

Il y un autre personnage principal dans ce manga, il s’agit de Victoria Seras (ou Selas), un policière humaine qui n’a d’autre choix que de se laisser mordre par Alucard pour sauver sa peau. Elle devra apprendre à vivre en tant que Vampire…

Il y a aussi le Major d’homme, Walter, dévoué à la fondation Hellsing depuis de nombreuses années (et comme pour Batman, il fabriques les munitions et les armes spéciales de la fondation).

D’autres personnages secondaires apparaissent au fil du temps…

Il y a également une autre organisation, « Iscariote»  qui est la division 13 de l’agence spéciale du Vatican.

Petit tour d’horizon de l’univers d’Hellsing

Je ne vais pas vous passer en revue tout ce qui compose ce manga, mais juste quelques éléments caractéristiques qui justifient que ce manga est travaillé et vaut plus que le détour.

Les armes :

Les soldats humains de la fondation hellsing utilisent des armes traditionnelles (pistolets mitrailleurs, etc…) mais Alucard et Victoria disposent d’armes spéciales.

Victoria dispose d’un gros fusil mitrailleur qui pèse 15 Kgs à vide ! Ou d’un bon gros fusil sniper mais elle utilisera également un Canon « Alconen»  anti-monstre tirant des projectiles de 30 mm, avec munitions blindées à uranium appauvri ou des balles explosives incendiaires, anti-blindage.

Walter maîtrise à la perfection des fils « qui coupe très très fort» , lorsqu’il s’en sert on dirait un peu un marionnettiste.

Alucard possède un .454 Casull qui est 2 fois plus puissant qu’un .44 magnum, plus tard, une nouvelle arme lui est fabriquée par Walter, Un Jackal 13 mm customisé, semi auto, 390 mm de long, 16 Kg avec les chargeurs, tirant des balles explosives et anti blindage… Bref plus puissant que le casull et impossible à manier par un humain…

Les pouvoirs

Alucard est un vampire possédant de nombreux pouvoirs, télékinésie, métamorphose, télé transportation, passe à travers les murs, insensible au balles traditionnelles…

De nombreux éléments liés à la magie apparaissent dans hellsing, que cela soit du côté de la fondation Hellsing ou de leurs ennemies.

Le Symbole de la fondation

Rien que le pentacle de la fondation Hellsing prouve que le détail est recherché.

Les runes sur le pourtour du pentacle signifient :

En haut : HELLSING
A gauche : HELLS GATE ARRESTED 
A droite : SHINE HEAVEN NOW

Ce qui donne en Français : « Hellsing, la porte des enfers arrêtée maintenant brille le Paradis» .

Les 5 symboles représentent les 4 éléments (feu, terre, eau, vent) et le cinquième représente l’esprit.

Voila quelques indications qui devraient vous donner l’envie de lire ou voir ce manga.

D’ailleurs, le manga en lui même est différent de l’OAV, mais les deux sont fantastiques !

Comme d’habitude, une petite vidéo pour vous émoustiller les pupilles :

Si vous souhaitez en savoir plus sur l’univers d’Hellsing, je vous recommande le site Hellfreak sur manganimation, qui analyse en profondeur ce manga et dont je me suis inspiré pour créer cet article.

1 – 2 – 1.2.3.4 !

Denver, Le dernier dinosaure, c’est mon ami et bien plus encore ! Denver, le dernier dinosaure vient d’un monde jamais vu encore !

Hey ! Je vous ai vu chanter là bas dans le fond, et même toi devant ton écran ! Ha ha démasqué, ancien(ne) fan de ce charmant dinosaure.

Tellement sympa qu’on en aurait tous pris notre carte de la spa si les dinosaure étaient inscrits sur les listes des animaux protégés, sauf que bien sur ils ne le sont pas non… bah non, ça n’existe plus les dinosaures.

Désolé de briser ce doux rêve, mais oui, effectivement, les dinosaures n’existent plus. Mais alors, qui est donc ce Denver ? se demanderont les profanes…

Et bien, Denver, le dernier dinosaure donc, c’est avant tout un générique. Un générique qui a bercé un nombre phénoménal de jeunes z’enfants au doux son des guitares électriques survoltées (ouais mais ça reste un dessin animé pour enfants, faut pas trop en demander non plus) contenant des paroles profondes (enfin, surtout faciles à comprendre et à retenir).

D’ailleurs, ce générique, plutôt que de le chanter, à la déception générale (oui je sais que ma voix est telle celle d’un canari… enroué ouais) et bien je vais vous le … mettre à disposition en vidéo (c’est plus explicite comme ça vous en conviendrez) :

Ça claque hein. Et oui, c’était un peu ça Denver. Mais pas que ! C’était aussi, et avant le générique en fait, même si c’est surtout ça qui reste, un dessin animé.

Petit passage descriptif, pour la forme :

L’histoire se situe en Californie (parce que c’est plus classe là bas pis c’est tout) dans les années contemporaines de l’époque de réalisation de l’animé, 1988 donc (hop comme ça je place un petit repère technique autour de la série, c’est un effet spécial).

La légende raconte que la Californie a été choisie suite à un pile ou face entre les deux pays assurant sa création, la France et les États-Unis d’Amérique, le second ayant remporté cette partie (et hop 2e repère technique). Dans un esprit vintage, rappelons que le dessin animé a été diffusé jusqu’en 2007 en France, pour des causes budgétaires dit-on mais rien ne le prouve, non non.

Reprenons. 4 jeunes américains représentatifs… pour le marketing, forment la bande de personnages principaux. Ces personnages ne sont pas du tout stéréotypés et permettent de s’identifier facilement (attention une partie de cette phrase est fausse et l’autre pas tout à fait vraie).

Il y donc le grand blond, Jérémy, le playboy, Mario, le petit à lunettes (qui n’est pas un souffre douleur ici, les gens l’acceptent parce qu’il faut tous s’aimer, mais j’y reviendrai) Wally (notons qu’il sera plus ou moins le préféré de Denver, et aussi le plus attaché à la mignonne petite bête verte), et enfin Charlie, le hippie modéré qui porte en permanence des lunettes de soleil.

Ces quatre amis trouvent un jour par hasard, en ayant des occupations saines (du bmx et du skateboard)  un œuf de dinosaure sur le terrain vague, lieu de leur loisirs. Et comme la nature fait bien les choses, cet œuf a la bonne idée d’éclore au premier épisode, sous les yeux ébahis de nos 4 héros en culottes courtes (oui, il fait chaud en Californie) ainsi que du méchant de la série, parce qu’il en faut un : Morton Fizzback.

Sorti de son œuf, Denver se révèle être un étrange dinosaure d’environ 3m de hauteur et doté d’une gentillesse exacerbée. Les 4 amis décident donc de l’adopter, mais c’est sans compter sur Fizzback dont le but personnel est de capturer Denver pour faire profit en l’exposant au monde.

Les épisodes s’enchainent donc, non sans habileté, montrant les péripéties de la bande d’amis, à qui viennent se greffer quelques personnages secondaires au fur et à mesure de l’histoire, pour contrecarrer les vils plans du vil Morton Fizzback qui nourrit de vils desseins, mais peut-être que j’utilise un peu trop le mot vil, mais il est vraiment méchant.

Ainsi, on découvre, avec plaisir, que Denver, même s’il ne parle pas (encore que parfois on distingue des mots, un peu comme Kenny dans South Park, mais je m’égare) il comprend le langage humain. Il aime aussi des loisirs humains tels que le skateboard et la nourriture, humaine aussi, notamment les chips.

Les situations sont souvent cocasses, les personnages plutôt expressifs et sympathiques, ainsi que plutôt amusants dans l’ensemble (avec les yeux d’un enfant ou de la nostalgie hein, j’ai réessayé récemment, j’ai préféré laisser tomber pour garder la bonne image que j’avais de cet animé).

Chaque épisode est aussi saupoudré d’une fine couche de morale à l’américaine concernant en vrac la sauvegarde des animaux, le respect des autres (même le petit à lunettes héhé, j’avais dit que j’y reviendrais), la force de l’amitié, la mauvaise image du profit malhonnête…

Toutes ces bonnes valeurs qui font de nous de vrais amér… humains ^^.

Alors bien sur, Denver est de la science fiction, ce petit dinosaure possède même une écaille de son œuf qui permet de le téléporter ainsi que ses amis au temps des dino ! Et si ça, ça vous a pas convaincu de regarder quelques épisodes, ou d‘adopter un chat pour le faire manger par un dinosaure,  moi je ne sais plus quoi faire.

En cadeau bonus, parce que vous avez été sages, le premier épisode de Denver le dernier dinosaure, en exclusivité (ou pas) :

Cet article est dédicacé aux personnes qui ont doublé les onomatopées de Denver dans la série, chapeau les gars. ^^

Le manga a cette incroyable capacité à pouvoir rendre captivant n’importe quel sujet (ou presque). Le sport fait partie des thèmes favoris des mangakas : Olive et Tom pour le foot, Jeanne et Serge pour le volley sont les titres les plus connus en France et ce grâce au Club Dorothée.

Mais connaissez-vous Hajime no Ippo ? Que vous soyez fan de boxe ou non, vous risquez fort d’accrocher rapidement à cette série. Attention, Hajime no Ippo tue, Hajime no Ippo est dangereux pour la santé, Hajime no Ippo nuit gravement à votre entourage ! Et oui, vous l’aurez compris, si vous avez le bonheur d’être happé par ce manga, vous risquez fort de passer de longues heures à dévorer les aventures du jeune héros de l’histoire. Tiens, mais au fait, de quoi ça parle ?

The fighting spirit

Ippo Makunouchi, jeune lycéen japonais, souffre d’une grande timidité et manque terriblement de confiance en lui. En plus d’être le souffre-douleur de trois voyous de son lycée, il n’a pas le temps de se faire des amis puisqu’il aide sa mère qui gère seule l’entreprise familiale (un magasin spécialisé dans la pèche).

Cependant, sa vie va changer lorsqu’il croise le chemin de Takamura, un prodige de la boxe. Ce dernier, doté d’une force hors norme et d’un charisme indéniable, va donner à Ippo la volonté de prendre ses problèmes à bras le corps et de se mettre à son tour à la boxe. Son objectif est simple : il veut savoir ce que signifie être fort. A première vue, ce garçon timide et gauche n’a rien d’un boxeur et pourtant, il va très vite s’avérer qu’il possède des aptitudes et une force exceptionnelles.

Je vous l’accorde, à première vue, ce manga n’a rien d’original et pour cause, c’est le cas ! Et pourtant, et pourtant, force est de constater qu’une fois plongé dedans, on n’en ressort plus. Ce manga possède en effet de nombreuses qualités : un auteur passionné, des personnages charismatiques, un humour irrésistible, et surtout, des combats de folie.

Commençons par l’auteur, Yôji Georges Morikawa : c’est lui qui à la base, insuffle sa passion à son œuvre car oui, Hajime no Ippo, c’est avant tout un manga de boxe réalisé par un fan de boxe. Il a en effet, entre autre, assisté le 2 novembre 1990 au match opposant Mike Tyson à James Douglas au Tokyo Dome (jour qui verra pour la première fois perdre Mike Tyson).

Il a même été jusqu’à racheter un prestigieux club de boxe, le JB Sports Gym, où s’entraînent les futurs champion japonais. Il n’hésite d’ailleurs pas à se rendre au contact des boxeurs afin de trouver l’inspiration pour son manga.

Cet auteur passionné a donc réussi à créer des personnages nombreux et charismatiques pour son oeuvre. On s’attache en effet très vite à Ippo, ce personnage timide mais qui se révèle être une terreur sur le ring, mais on ne peut également pas concevoir ce manga sans tous les personnages qui gravitent de près ou de loin autour du jeune héros.

Takamura, la star du club Kamogawa (là où s’entraîne Ippo) possède une puissance et un talent surnaturels qui forcent l’admiration et le respect de ses compagnons. N’oublions pas non plus Aoki et Kimura, deux autres membres du club qui n’en loupent pas une pour nous faire mourir de rire mais qui sont également de très bons boxeurs. Voici un petit exemple en vidéo pour illustrer ces deux personnages.

Outre ces personnages centraux, d’autres protagonistes viendront se greffer autour de Ippo tels que Miyata, le grand rival de ce dernier, ou bien encore Vorg, Sendo et j’en passe. Le tour de force de Morikawa a été de créer une multitude de personnages avec leur propre histoire, leurs propres désirs si bien qu’on finit par s’attacher à beaucoup de personnages, adversaires ou non de notre héros.

Autre point fort de ce manga : l’humour. En effet, celui-ci est omniprésent (hormis lors des match bien évidemment). Takamura est présenté comme un tyran un peu abruti qui n’hésite pas à humilier ses camarades dès que l’occasion s’en présente (Aoki est d’ailleurs sa victime favorite). Ippo et sa naïveté entraînent également beaucoup de scènes cocasses (ses trois acolytes s’amusent d’ailleurs souvent de ce trait de son caractère).

En bref, il faut lire le manga pour comprendre à quel point celui-ci est drôle (les entraînements à la mer ou à la montagne sont d’ailleurs sujets à de nombreuses scènes comiques).

Enfin, dernier point fort et non des moindres, les combats. Toujours plus forts, toujours plus furieux, toujours plus spectaculaires, les matches disputés par Ippo et ses compagnons vous captiveront à coup sûr. Certes, le réalisme est souvent oublié au profit de coups et de techniques toujours plus formidables, mais c’est un pur régal pour les yeux.

Les combats opposants Ippo à Sendo sont d’ailleurs toujours très impressionnants et vous m’en direz des nouvelles si vous avez l’occasion de les voir. La vidéo qui suit vous montre un extrait de ces combats sauvages (parmi tant d’autres)

Autre côté très appréciable des combats : chaque personnage possède ses propres coups spéciaux et ceux-ci sont même parfois inspirés de techniques ayant ou existant encore aujourd’hui. Je prends pour exemple le Dempsey Roll, technique utilisée par Ippo et qui a également été exécutée dans la réalité par Jack Dempsey (d’où le nom).

Voici le coup original :

Et le coup version Ippo :

Certes, les coups sont bien plus exagérés dans le manga, mais l’auteur a au moins le mérite de s’inspirer de nombreuses techniques existant vraiment.
De par ses nombreuses qualités, le manga a donc très vite connu un succès grandissant.

Hajime no Ippo, un succès mérité

Hajime no Ippo, c’est avant tout un manga qui dure : débuté en février 1990, il continue de paraître encore aujourd’hui à tel point que la barre des 80 tomes vient d’être dépassée au Japon. C’est l’œuvre majeure de l’auteur et le manga marche tellement bien au Pays du Soleil Levant que Morikawa parvient à vivre seulement avec cette série.

Il prend également son temps pour dessiner un tome : environ 3 à 4 mois, ce qui démontre que son éditeur lui fait pleinement confiance (habituellement, un tome paraît tous les 2 mois environ).

Comme tout bon manga qui rencontre le succès, il a eu droit à une adaptation animée, qui compte pour l’instant 2 saisons (102 épisodes en tout) ainsi qu’un film et un OAV. On espère d’ailleurs que nous aurons droit à une troisième saison car l’animé est très loin de couvrir tout le manga !

La série a également été récompensée par deux fois : en 1991, au Japon, elle reçoit le prix du manga Kôdansha, catégorie shonen. Plus récemment, en 2008, en Suisse, elle reçoit le prix Polymanga, trophée du meilleur shonen manga (voir photo).

Si vous souhaitez découvrir cette série, sachez que le manga est publié en France par les éditions Kurokawa. La version animée a quant à elle été récupérée par Declic Images.

Hajime no Ippo est donc un manga efficace qui sait allier baston et humour. Sa longévité tient au fait que l’auteur parvient à tenir le lecteur en haleine au fil des chapitres, tout en rendant l’histoire toujours plus intéressante.

Nul doute que cette œuvre a toute sa place parmi les grands mangas de sport tels que Captain Tsubasa (Olive et Tom chez nous). Si vous êtes à la recherche de combats épiques ou bien si vous cherchiez un digne successeur à Captain Tsubasa ne cherchez plus, vous trouverez votre bonheur avec Ippo !

Imaginez un manga trash, comique et passionnant regroupant les 2 principaux personnages de Leiji Matsumoto (Harlock et Toshirô) avec une ambiance western poussiéreuse où les cow-boys tuent de sang froid sans faire dans le détail. Vous obtenez GUN FRONTIER.

Bon, alors, comme d’hab un p’tit peu d’histoire sur l’origine du manga. Gun Frontier a été créé par Matsumoto dans les années 70, il a été publié dans le magazine PlayComic (magazine japonais) entre 1972 et 1975.

Il faut savoir que Leiji Matsumoto a réalisé Gun Frontier avant les Albators. La personnalité des personnages est donc déjà bien encré, même si l’histoire et l’époque de Gun Frontier n’a rien en commun. Les univers sont liés.

Par exemple dans Albator, Gun Frontier est une planète mal famée renfermant de grandes contrées type western.

Gun Frontier est arrivé à l’écran en 2002, presque 30 ans après la création du manga par son auteur. L’adaptation de Gun Frontier sur l’écran a été superbement réalisé, l’OAV est à la hauteur du manga papier, un vrai chef d’oeuvre.

Les doublages Français et les bruitages sont très réussis, les personnages ont une personnalité propre à chacun et le scénario… Magique !

Le Synopsis :

Nos 2 héros recherchent une communauté japonaise dans l’ouest américain. Ils vont croiser la route de Simunora, une belle jeune femme mystérieuse qui n’a pas froid aux yeux (elle propose même un plan à 3 à nos deux héros dans un des épisodes).

Voila donc le trio parti à la recherche de la communauté de Samouraï Creek, afin de retrouver la petite sœur de Toshirô (Shizuku), ils vont vivre de drôles d’aventures et Simunora leurs réservera quelques surprises.

Les 3 principaux personnages.

- Albator / Harlock : Albator, toujours ami de Toshirô est un pirate reconverti. Véritable « Lucky Luke»  il manie la gâchette de son revolver comme un dieu ! Fidèle à lui même, il à la classe et envoi du lourd avec son gun.

Très lié à Toshirô, il ne le quitte plus depuis qu’il lui à sauvé la vie.

- Toshirô : Le mystère plane sur les origines de Toshirô dans cette histoire, il est au coeur des railleries et des conflits qui amènent souvent sur un duel ou une fusillade à cause de sa petite taille et de son faciès.

Véritable personnage principal de Gun Frontier, on apprend plus tard qu’il est à la recherche  de ses semblables rescapés de la tuerie de Samouraï Creek. Ayant des trop petites mains et des yeux de taupes pour manier un colt, il maîtrise le sabre parfaitement et est presque aussi rapide que Matrix.

Respectant ses valeurs : courage, honneur et fraternité , il n’hésite pas à foncer tête baisser dans l’action.

- Simunora : Très secrète et, accessoirement, très belle, elle n’oublie pas d’être particulièrement intelligente pour percer à jour les différents projets de ses ennemis.

Le mystère plane sur Simunora, elle travail pour une organisation secrète, mais on ne sait pas si c’est pour aider nos 2 héros ou pour leur nuire. Avec son fusil, elle les accompagnent dans leurs aventures.

Albator et Toshirô ne céderont jamais au charme de Simunora au nom de leur amitié !

Leiji Matsumoto à encore réalisé un pur chef d’oeuvre avec Gun Frontier !

Une vidéo pour vous chatouiller les pupilles :

Et pis les programmes étaient de qualité ! Ah pas comme maintenant ou c’est leur Trois Dé à tout va ou leurs images de synthèses, en oubliant l’histoire ! Et pis … !

WHO ! Madame ! C’est mon article, tu te casses maintenant ! N’empêche elle a raison la vieille, beaucoup de dessins animés des années 90 sont devenus cultes, en partie grâce au Club Dorothée qui a diffusé, tout le long de son existence, des dessins animés japonais. Captain Tsubasa, Olive et Tom dans nos vertes contrées, fait partie de ces dessins animés à succès qui ont marqué toute une génération.

Captain Tsubasa ? Kécé ?

Et bien, Captain Tsubasa est un manga créé par Yoichi Takahashi, publié pour la première fois en 1981 et composé de 37 volumes, en tout cas concernant la 1ère partie du manga (comprenant l’enfance de Tsubasa jusqu’à la Coupe du Monde et la finale contre l’Allemagne).

Le manga conte l’histoire de Ozhora Tsubasa, un petit génie du football qui va intégrer une équipe locale, Nankatsu, dans la préfecture de Shizuoka (oui, vous l’avez deviné, ça se passe au Japon).

Il va être coaché par un ancien joueur professionnel brésilien, Roberto Hongo, véritable star dans son pays, mais qui a dû arrêter sa carrière suite à des problèmes  oculaires. En intégrant cette équipe, Tsubasa va se faire de nouveaux amis et rencontrer des adversaires redoutables, notamment Hyuga Kojiro, les frères Tachibana, ou encore Misugi Jun.

Bon, vous l’avez sûrement deviné, je hais la VF, mais, d’un autre côté, ce fut la seule façon de découvrir cet animé et ce manga, qui est sûrement mon préféré.

L’animé

Bien entendu, Geek-Vintage est plus centré sur nos souvenirs, et, pour la plupart, nous avons découvert Captain Tsubasa en Animé sur la Cinq en 1988 ou sur TF1 en 1993.

En quoi ce dessin animé a marqué nos esprits ?

Tout d’abord, l’on peut parler de l’aspect spectaculaire et totalement irréel de la chose. En effet, Captain Tsubasa ne nous montre pas le foot comme l’on pourrait le voir dans un vrai match, mais plutôt comme un mélange avec du Dragonball…

Je vous explique, déjà, la longueur des terrains, totalement incroyable. On pourrait dire qu’ils font entre 5 et 10 km, alors qu’un terrain de foot standard ne dépasse jamais  les 120 mètres de long ! De plus, ceux-ci sont généralement très courbes pour affirmer la progression des joueurs sur celui-ci. Cette longueur est encore plus prononcée grâce aux pensées des personnages, qui peuvent faire tenir un épisode sur du « Alors, que vais-je faire, vais-je tirer ? vais-je dribbler ? vais-je passer à mes coéquipiers ? han mais non, pas lui, il est blessé, cela s’est passé…» .

On peut aussi s’étonner du nombre de spectateurs par match, c’est tout à fait incroyable, et la présence du commentateur pratiquement à chaque match, qui, bien entendu, se fait entendre sur le terrain, et non pas seulement sur les retransmissions télévisées (oui, parce que beaucoup de matchs sont filmés ^^). Pour des gosses de primaire, vla le gros succès !

En même temps, quand on voit le niveau des matchs, même pour les plus jeunes, dans Captain Tsubasa, on se rend compte qu’il est bien plus élevé qu’un match de Ligue 1 (vous me direz, c’est pas bien compliqué, roooh, les mauvaises langues !). Et quand je parle de niveau, je parle de supers pouvoirs hors du commun.

Sangoku au pays du foot

Bon ok, ils balancent pas des kamehameha ou des masenko, mais leurs techniques sont sommes toutes impressionnantes pour des gamins de primaire ou des collégiens. Quand on voit leur niveau, on n’ose même pas imaginer celui des adultes !

Un conseil, pour ceux qui regardent des matchs de foot à la télé, si vous regardez Captain Tsubasa, vous ne pourrez, ensuite, qu’être déçu par le niveau des matchs réels.

En effet, dans l’animé, les joueurs repoussent les limites de la gravité et du réel.

Par exemple, prenons les frangins Tachibana (« les frères Derrick» , je suis sympa, je vous donne les noms français, mais ça ne va pas durer longtemps, je risque d’exploser et de chanter du Céline Dion en dansant la Tektonik, alors me cherchez pas !), ceux-ci ont une technique  toute particulière pour tirer et marquer, dans leur première confrontation contre Nankatsu, la Triangle Tech : Le ballon est en l’air, plus haut que la barre transversale, un des jumeaux grimpe sur la barre transversale en s’aidant du poteau, puis frappe le ballon de la tête vers le sol où son frère arrive à toute enjambée pour frapper.

(Je suis désolé pour l’extrait, je n’ai pu le trouver qu’en italien -__-’).

A l’époque, c’était encore faisable, les poteaux étaient carrés, donc l’appui était sûrement « plus simple» , mais, désormais, je défie quiconque de grimper sur une transversale, rien qu’avec l’aide de ses pieds sur des poteaux arrondis !

Et cela, ce n’est que dans la première période de l’animé, où les protagonistes nous livrent des techniques tels que le Twin Shoot, des retournés acrobatiques à toutes les sauces et des arrêts karatés (le « Shutô»  de Ken Wakashimazu (« Ed Warner» , raaaaaah !) par exemple). Dans la seconde partie, on a droit à des Drive Shoot (« Tir Feuille Morte» ), Hayabusa Shoot(« Tir du Faucon» ) ou encore le Tiger Shot(« Tir du Tigre» ).

La puissance de ces diverses techniques est accentuée par la pugnacité et la rage présente chez quasiment tous les personnages : « Han, j’ai mes 2 jambes en vrac et mon épaule me fait atrocement souffrir, mais je dois gagner, je dois gagneeeer !! yaaaah !» .

Physiquement, c’est tout aussi incroyable. Les blessures reçues n’arrêtent aucunement la détermination des joueurs, on pense surtout à Misaki Tarô(« Ben Becker» , achevez-moi !) qui, lors de la finale de Nankatsu contre la Meiwa(» La Muppet» , ne riez pas bande de vilains, je vous vois !), sauve un but en se jetant corps et âme sur le ballon, et allant se fracasser le crâne contre un poteau.

On peut aussi, et surtout, citer Ishizaki Ryô(« Bruce Harper» ), dont la technique favorite est de stopper des boulets de canon rien qu’avec sa tronche, d’où le nom de « Ganmen Block»  (qui veut dire « Arrêt du Visage» ).

Le passage le plus impressionnant reste la finale de la Tohô contre la Nankatsu(« NewTeam»  à ce moment de la série), dans la 2ème partie de l’anime, où Tsubasa et Hyuga se renvoie la balle à coup de frappes ultra puissantes, tellement puissantes que l’on ne distingue plus les panneaux de cuir noir du ballon.

Des personnages charismatiques et cultes

Bien entendu, ce qui fait aussi la force de Captain Tsubasa, ce sont ses personnages ultra charismatiques. A part les neuneus Tsubasa et Misaki (ouais, je les ai toujours trouvé un peu trop niais), on trouve Hyuga et sa force de vaincre. Au début, on le trouve arrogant et trop fier de lui. Mais au fur et à mesure, l’on se rend compte qu’il se bat pour aider sa mère et ses frères et soeurs, appauvris depuis la mort de son père.

On trouve aussi Ishizaki et son abnégation hors du commun, Sanae(« Patty» ) et son caractère de chiotte, Makoto Soda (« Ralph Peterson» ) et ses tacles de gros enfoiré.

Je pourrais encore en citer beaucoup, mais cela pourrait prendre une bonne page tellement beaucoup de personnages ont leur propre histoire. Comme dans tout Shônen qui se respecte, Tsubasa se liera d’amitié avec la plupart de ses adversaires à chaque fin de match.

Je pense que si Captain Tsubasa avait eu des personnages creux, le seul fait d’avoir des techniques hors du commun n’aurait pas suffit pour en faire un animé culte. Chaque personnage que rencontre Tsubasa est ainsi un obstacle de plus à vaincre ou simplement un ami, qui lui fera comprendre telle ou telle chose et qui lui permettra d’avancer.

La plus mauvaise adaptation française d’animé ?

Je ne sais pas si l’on peut dire que cette adaptation est la plus mauvaise, elle reste quand même une catastrophe… A l’instar de l’adaptation française de Hokuto no Ken (« Ken le Survivant» ) et ses « Hokuto de Cuisine»  (sisi …), Captain Tsubasa est malheureusement une autre grosse victime de la traduction française de tout ou partie d’un animé japonais de l’époque.

Quand on compare le résultat à l’adaptation de Dragonball ou Dragonball Z, il n’y a pas photo. Là où Dragonball Z n’a eu quelques noms francisés (Monsieur Satan est devenu « Hercule»  par exemple), Captain Tsubasa s’est pris une grosse mandale de français dans la gueule.

Je ne sais pas par quoi commencer tellement tout ne rend pas hommage à la VO.

Peut-être par les voix, qui sont une catastrophe totale. Hyuga, dans ses premières apparitions, possède une voix de fille dopée aux hormones mâles, et, dans la suite, sa voix se transforme en une cochonnerie, le genre voix de prostituée qui aurait fumé trop de gauloises…

On peut encore citer Misaki et sa voix de niais, Misugi et son accent italien qui n’a rien à foutre là (Misugi n’ayant aucune affiliation italienne, je vous le précise). Le plus drôle restant certains passages de l’animé où des protagonistes prennent soudain l’accent belge… Je n’ai malheureusement pas les images, mais je vous invite à bien écouter si vous avez les extraits chez vous.

Et les noms… Vous avez vu plus haut que j’ai failli exploser à chaque évocation des noms français, ce n’est pas une image, j’explose vraiment, tel un bouton d’acné sur le visage pubère d’un ado à la peau grasse !

Non mais bordel ! Quelle idée d’avoir des noms tels que Oliver Atton, Ben Becker, Julian Ross (à prononcer « Rouliane Rôss» …) ou encore Allan Croncker (Morisaki Yuzho, le gardien de la Nankatsu quand Wakabayashi n’est pas là). Le pire du pire reste quand même les frères DERRICK ! Je pense que les gens qui se sont occupés de la traduction devaient être des fans inconditionnels de l’inspecteur Stefan Derrick pour avoir osé appeler des personnages par son nom…

On peut aussi parler des noms des équipes, tout aussi ridicules: la Muppet, la Newteam, ou la HotDog…

Kulilin, rédacteur formidable de Geek-Vintage, possédant une beauté sans pareille et un corps d’athlète (Michel Drucker staïle), connaît parfaitement mes réactions quant à l’évocation de la VF, il peut vous confirmer que je me transforme en Hulk si l’on ose me parler de cette ignominie…

La seule chose que l’on pourrait sauver de cette adaptation, c’est le générique chanté par Jean Claude Corbel, qui reste bien en tête avec une très belle mélodie :

Oui, j’aime Captain Tsubasa

Voilà, que dire de plus, enfin, j’aurais pu en dire plus, bien plus, mais la longueur de l’article aurait été comme les techniques footballistiques de l’animé, irréelle. Captain Tsubasa fait partie de ma culture, un dessin animé culte, qui, malgré un aspect technique dépassé(aujourd’hui, on peut dire que l’animation n’est souvent pas des plus fluides, et que l’ensemble fait un peu vieillot), garde quand même une force incroyable, qui a laissé des traces sur toute une génération.

Certains footballeurs professionnels ont notamment avoué qu’ils ont eu envie de se mettre au foot après avoir suivi Captain Tsubasa (les joueurs de la J-League(équivalent de la Ligue 1 au Japon) par exemple).

Captain Tsubasa possède aussi une des plus belles BO de l’animation japonaise, même encore aujourd’hui, je trouve peu d’animés arrivant à la cheville de Captain Tsubasa sur cette partie. Le générique original « Moete Hero»  en est une des plus flagrantes démonstrations :

Attention, ne pas confondre Captain Tsubasa avec L’Ecole des Champions, cet ersatz avec ses personnages polis avec la raie sur le côté, et dont la seule posture de tir est le « je mets bien ma jambe au dessus de la tête, parceque je n’ai aucune originalité !»  (oui, ça me gave, malgré le générique chanté par Bernard Minet).

Je pourrais aussi vous parler des différents jeux vidéos tirés de l’animé, qui ont inventé un formidable concept : le Tactical Football RPG. Les plus illustres représentants sont Captain Tsubasa 2, sur Famicom et Captain Tsubasa 3 sur Super Famicom (oui, ces jeux ne sont sortis qu’au Japon malheureusement), qui feront sans doute l’objet d’un article dans l’avenir.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Des suites à l’animé sont parues, notamment Shin Captain Tsubasa (la Coupe du Monde juniors à Paris qui se déroule juste après les 128 épisodes du premier animé, sorti qu’au Japon), Captain Tsubasa J World Youth(qui raconte la seconde Coupe du Monde disputée par les Japonais, série stoppée brutalement au Japon après un manque d’audience. Dommage, c’était une série pourtant magnifique et graphiquement impressionnante) et Road To 2002(« Olive et Tom le Retour» , un animé que je considère comme un ratage total…).

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Il y a aussi l’OAV Hollanda Youth!, qui raconte 3 matchs joués par les Japonais contre l’équipe de Hollande et 4 films qui sont sortis en France. Ces 4 films ne sont vraiment pas exceptionnels, mais quelques uns sont assez sympas à regarder.

Voilà, j’ai à peu près tout résumé sur ce qui pour moi est mon animé culte, ainsi que le manga, j’espère vous avoir donné envie de (re)découvrir ce dessin animé culte, je vous laisse tranquille et : « IKEEEEEEEEEEEEEEEE !!»  (les fans comprendront !)

1. Munissez vous d’un bon café, thé, jus d’orange, ou boisson quelconque (ceci indique que l’article sera long, mais quand on aime, on ne compte pas !)
2. Ayez un paquet de cigarette et un briquet à porter de main (permet d’éviter le mal de l’espace)
3. Installez-vous confortablement dans votre fauteuil (j’espère que vous en avez un, sinon les décalages spatio-temporels vont être douloureux)
4. Y’a pas de quatre, c’était histoire deux ; – )

Ca y est, vous êtes prêt, tous les voyants sont au vert : Décollage…

Albator est né en 1953 dans un manga que son auteur (Leiji Matsumoto) n’a jamais publié. Il apparaît sous le nom du pirate Kingston et n’a pas exactement le même physique qu’aujourd’hui (pas de cicatrice par exemple).

Il fera des apparitions dans différentes bandes dessinées avant que son créateur lui consacre une histoire propre.

Ici, nous allons nous intéresser aux séries consacrées uniquement à Albator et à son personnage (un futur article sera consacré aux autres œuvres de Leiji Matsumoto).

La biographie du pirate

C’est dans « L’anneau des Nibelunghen»  que l’aventure d’Albator commence (en France, principalement Albator 78 et 84 sont connus), où l’on en apprend un peu sur le passé d’Albator.

En 2964, Great Harlock, le père d’Albator, combat le Dieu Wotan et ses créatures venues du Walhalla. À cette époque, il vit à bord du Death Shadow en compagnie de son ami Toshiro (J’adore ce personnage autant qu’Albator).

Toute cette équipe commence par fuir les bas-fonds de la Terre où ils sont « persona non grata» . Le père d’Albator confit son fils à Emeraldas et Maetel, qui sont les deux filles d’Andromeda Promethium, la reine de la Rahmetal (on reviendra sur ce personnage lors d’un nouveau post).

Peu de temps après, Great Harlock disparait dans un combat énorme contre une flotte de dizaine de milliers de vaisseaux du Dieu Wotan venu du néant.

Quelques années plus tard, Albator est devenu adulte. Il est parti à la recherche de Mime, entre temps, son frère Albérich, a dérobé l’or du Rhin pour forger un anneau qui lui permettra de dominer l’univers, mais qui engendrera aussi la destruction de l’équilibre cosmique. Il déjoue les pièges du Nibelunghen et finit par récupérer l’anneau, provoquant la colère de Wotan qui retourne en 2964 pour s’attaquer à son père, Great Harlock.

Dans Albator 84 où l’action se déroule chronologiquement avant 78, la planète Terre est aux mains des humanoïdes. Fuyant la planète, il est blessé à l’œil et hérite de la même cicatrice qu’avait son père. La femme d’Albator qui est « la voie de la liberté»  lors de la guerre, est tuée par les humanoïdes. A ce moment, subissant un interrogatoire où les humanoïdes sondent les esprits de leurs prisonniers, Albator apprend que son destin et celui de son ami Toshiro est lié depuis la seconde guerre mondiale où l’ancêtre d’Albator, Walter von Harlock, rencontre celui de Toshiro.

Ayant pris la fuite, Albator, Toshiro et tout l’équipage de l’Arcadia quittent la Terre pour un long voyage à la recherche de la planète idéale. Les humanoïdes ne les lâcheront pas pour autant.

Au cours de ce voyage Toshiro malade transférera son esprit lors de sa mort dans l’ordinateur de l’Arcadia.

Dans Albator 78 nous sommes en 2977, alors que la paix est de retour. Les sylvidres, des extraterrestres mi-humaines mi-plantes, veulent récupérer la planète de leurs ancêtres qui n’est autre que la Terre.

Albator, ce pirate au grand coeur et au sang froid s’interpose pour protéger l’humanité sous la bannière de la liberté.

Une fois les sylvidres éliminées, Albator retourne sur Terre et débarque l’équipage avant de s’envoler voguer dans l’espace « alone»  avec Mime.

Quelques années plus tard, Albator devra reconstituer son équipage pour combattre une nouvelle menace, le démon Noo dans « The endless odyssey« .

Aaaah !! Ce pirate de l’espace en à fait rêver plus d’un avec son vaisseau. D’ailleurs, Albator a eu plusieurs vaisseaux :

Le Death Shadow I et II

L’Arcadia (appelé l’Atlantis également)

Certaines fois, l’Arcadia subit quelques petites modifications, ajustées au fil du temps par son créateur, mais à toujours eu cette « gueule»  qui fait qu’on l’adore…

Les séries consacrés à l’univers d’Albator :

• Queen Millenium (La Reine du fond des Temps):
• Cosmowarrior Zéro (la jeunesse d’Albator)
• Albator « 84″
• Galaxy Express 999
• Harlock Saga
• Queen Emeraldas
• Albator 78 (le Pirate de l’Espace)
• Space Pirate Captain Herlock Outside Legend, The endless odyssey

La chronologie des séries est souvent chamboulée, car l’histoire de 78 se passe après celle de 84. L’Atlantis est déjà animé par l’esprit de Toshiro dans le 78 alors qu’il décède dans le 84 !!! Les Harlockiens savent de quoi je parle j’écris…

Un peu compliqué, isn’t it ?

Un petit extrait de la série Albator 84 :

Bande annonce de « La jeunesse d’Albator» 

Générique d’Albator 78

Générique d’Albator 84

Pour les mégafans, je vous conseil ce site : Albator SSX