Description

1er anime:

Titre: Les aventures de Sonic le Hérisson (Adventures of Sonic the Hedgehog)
Origine: France/Etats-Unis/Japon
Date de diffusion: A partir du 06/09/1993 (Etats-Unis). A partir du 25/09/1995 (France).
Résumé: Le Dr Robotnik (Eggman) échafaude mille et un stratagèmes maléfiques pour conquérir la planète Mobius. Malheureusement pour lui, il est sans cesse confronté à Sonic et à son compère Tails qui l’empêchent d’arriver à ses fins. Robotnik est aidé dans ses basses oeuvres par Scratch et Grounder, 2 robots débiles et par un robot singe, Coconuts, qui, lui, au contraire, est le symbole de la traîtrise et la malignité perverse de la série.

2ème anime:

Titre: Sonic et Sally (Sonic The Hedgehog)
Origine: Etats-Unis
Date de diffusion: A partir du 18/09/1993 (Etats-Unis). 1995 (France).
Résumé: Sur la planète Mobius, le Dr Robotnik a conquis la ville de Mobtropolis, après avoir trahi le roi Maximillian Acorn. Robotnik et son armée de robots ont mis en esclavage les habitants de Mobtropolis. Certains ont réussi à s’échapper et à constituer une rebellion, se nommant les “Combattants de la Liberté”. Sonic et Tails font partie de ces rebelles.

Du Lolz contre du moins Lolz…

Tout d’abord, partons du fait que je nommerais « Les aventures de Sonic»  AOSTH (Adventure Of Sonic The Hedgehog) et « Sonic et Sally»  STH (Sonic The Hedgehog).

Et bien oui, il est  évident que ces 2 dessins-animés sont diamétralement opposés.

Pourquoi ? Et bien je vais vous le dire (gniiiiiiii).

Tout d’abord, et cela vous aura forcément sauté aux yeux si vous avez suivi ces 2 dessins-animés, l’ambiance est complètement différente dans AOSTH et dans STH.

Là où chaque épisode de AOSTH est une mini histoire unique et comique, STH fait plus dans la série avec suite logique entre les épisodes, le côté sombre en plus.

En effet, dans STH l’ambiance sombre est omniprésente, et les seuls moments de grosse marrade sont quand Sally et Sonic se charrient où quand Antoine D’Coolette (Antoine de la Renardière en VF), le coyote faisant partie des Combattants de la Liberté, se ridiculise de part sa lâcheté assez marquée.

Au contraire, AOSTH mise tout sur l’humour, et le tout fait très Tex Avery: des gags, toujours des gags, et le gros méchant Robotnik et ses sbires qui se font ridiculiser à chaque épisode par Sonic.

Un de mes passages préférés de la série est celui où Robotnik tombe d’un mur et se casse comme l’oeuf dans la chansonnette anglaise “Humpty Dumpty”.

En fait, AOSTH est un dessin animé complètement farfelu, voire totalement déjanté et un brin concept. Chaque épisode est, malgré sa qualité graphique somme toute assez banale, assez recherché au niveau des plans et de l’enchaînement des scènes. Certains passages sont carrément psychédéliques et semblent se rapporter quelques peu à l’ambiance d’un Animaniacs par exemple.

A la fin d’un épisode, Sonic et Tails prodiguent des conseils aux enfants (une sorte de morale assez sympathique qui ne tombe pas dans le gnangnan).

Les vrais héros de cette série sont plus les méchants comme Robotnik, Scratch et Grounder.

Irrésistibles de part leur stupidité (à part Robtonik), ces personnages sont tout bonnement attachants. Scratch et Grounder ratent toutes leurs tentatives pour attraper Sonic. Ils sont les 2 seuls membres de la « Section spéciale secrète super sabotage sonic» :

Robotnik, quant à lui, sort du lot plus de part son aspect ridicule. Obèse et hideux, un running gag dans la série consiste à se moquer de son derrière.

Il ne faut pas non plus écarter Coconuts qui, malgré ses quelques maigres apparitions, est quand même le plus efficace de tous les robots de Robotnik.

Les 2 personnages principaux que sont Sonic et Tails (Miles Tailes Power) ont eux aussi leurs propres particularités. Physiques, tout d’abord. Je pense que vous êtes au courant que Sonic est un hérisson qui court vite et que Tails est un renard à 2 queues qui vole.

Non, ce qui importe le plus dans la série, ce sont leurs caractères et leurs façons d’être. Sonic est le comique du duo. Railleur et blagueur, il adore se moquer de Robotnik et réduire en miettes ses plans. Il kiffe « ve-gra (Motherfu… !)»  le chili con carne et possède sa fameuse catchphrase “J’ai failli attendre”.

Remarquons qu’il est aussi assez faible devant la gent féminine (Ce qui lui vaudra d’être pris assez souvent dans des pièges à la con) !

Tails, pour sa part, est considéré comme le jeune insouciant et Sonic lui sert de grand frère.

“Serious” Sonic entre en scène

L’autre série animée dont il est question ne penche pas, mais alors pas du tout, du côté de l’humour débile et débridé d’AOSTH.

Exit l’humour cartoon, exit les méchants rigolos et stupides (quoique, certains sbires de Robotnik dans STH sont des robots assez basiques), exit le Robotnik ridicule.

Non, le gros méchant ici qu’est Robotnik est vraiment un gros méchant. Hideux, machiavélique et quasiment sans faille (quasiment, car, comme dans AOSTH, ses plans sont rarement réussis), il inspire plus la terreur que la rigolade.

Grounder a disparu, et, quant à Scratch, ou son lointain sosie, il est devenu une sorte d’animal de compagnie de Robotnik, comme, par exemple, le chat du Dr Mad dans Inspecteur Gadget.

Les “Combattants de la Liberté”, composés, entre autre, de Sonic, Sally Acorn, Tails, Bunnie et Antoine, se battent contre l’armée robotique de Robotnik (ça rime, pouet pouet) pour faire cesser sa dictature.

Le ressenti sur l’attitude et le caractère de la globalité des Combattants de la Liberté est une quasi omniprésence d’une ambiance  sérieuse. Soit, il faut éviter de faire la comparaison avec AOSTH, mais le fait est que, pour un dessin animé sur le hérisson bleu, le sentiment de gravité se ressent assez souvent dans chaque épisode.

A part Antoine de la Renardière, qui est l’élément comico-ridiculo-lâche principal, et Sonic, toujours dans la même veine “j’me la pète”, l’ensemble pèse un peu.

Comme résumé un peu plus haut, on a l’impression qu’un filtre noir a été passé sur les décors par un émo en dépression. Ou par Adam Lambert, c’est selon.

Les épisodes sont rarement chaleureux, et il existe une sorte de malaise pour un côté sombre assez mal assumé mine de rien.

Faire de Sonic une série sombre est, en effet, quelque chose d’assez difficile. Là où le jeu vidéo fait se déplacer Sonic dans des environnements colorés, scintillants, ici, comme expliqué plus haut, la noirceur fait partie intégrante du dessin animé.

Tex Avery vs Blade Runner

Oui, j’avoue, la comparaison est vraiment foireuse, mais je voulais vous montrer la différence assez singulière entre ces 2 animes.

D’un point de vue subjectif, je penche largement en faveur de AOSTH. En effet, les épisodes sont tous bien funs, et toujours dans l’esprit Tex Avery. Même si la qualité des dessins n’est pas géniale, le tout reste facile d’accès, drôle, complètement décalé. On peut même y trouver, pour les plus jeunes qui n’ont pas connu la belle époque (aaaah, nom de dieu de bordel de mayrde, de not’ temps c’était aut’ chose !), un air de ressemblance avec Bob l’Eponge.

Et puis, le générique en VF est un des génériques de dessin animé qui, personnellement, je trouve, reste le plus facilement en tête:

Seulement, haha, mon argument là ne tiens pas la route, puisque, en VF, le même générique a été repris pour STH :

Génériques en VO de AOSTH et STH:

Cliquer ici pour voir la vidéo.

D’un point de vue objectif… Et bien la victoire revient tout de même à AOSTH. Ok, STH a de très bons arguments comme une réalisation soignée et des graphismes assez léchés, mine de rien.

Mais, son gros défaut est de vouloir mettre en place une ambiance qui n’est pas celle de Sonic en général, de vouloir instaurer une ambiance “adulte mais pas trop”. Comme si les créateur de l’anime ne voulait vraiment pas assumer cet univers.

Vous l’aurez compris, mon coeur a toujours balancé du côté d’AOSTH pour la grosse marrade qu’il provoque et ses running gag qui ne sont pas forcément fait pour être compris par des mômes.

STH a été une bonne surprise, mais de courte durée, les épisodes se répétant assez souvent et l’intérêt diminuant, de fait, assez vite. Les seules scènes “mythiques” de cette série étant celles où Sonic va chercher l’anneau dans le lac lui permettant de devenir beaucoup plus puissant.

Pour finir, et pour résumer, si vous voulez du lolz et du WTF, je vous conseille AOSTH, si vous voulez, au contraire, du moribond mais joli, jetez-vous sur STH. Oui, je suis un salop complètement subjectif, et je vous ennuie !

Note: Est entré dans la culture populaire occidentale le fait que les aventures de Sonic se passent toujours sur la planète Mobius. Mais, à l’origine, dans les premiers jeux vidéos Sonic, l’action se passe pourtant… sur Terre !

Et oui, suite à une erreur de traduction lors d’une interview de Yuji Naka, co-créateur du hérisson bleu, les fameux “rubans de Möbius” ont été apparemment interprétés comme “les rubans de la planète Mobius”. Ce n’est qu’avec la sortie de Sonic Adventure sur DreamCast en 1999 que la vérité vraie se rétablie, mouhahahaha !!

Note 2: Sonic a aussi été édité en comic par la société Archie à partir de 1992. Il est, en quelque sorte, à l’origine de la série animée STH. Les couleurs et l’ambiance du comic rappelle plus AOSTH que STH, même si, après la sortie de l’anime, le comic prendra la même direction artistique que ce dernier.

Note 3: Y’en a pas ! Mouhahahaha, machiavélique man !

BattleStar Galactica représente un groupe de films (vive les franchises !) et de séries réalisées depuis les années 80 jusqu’à nos jours. Créés à l’origine par Glen A Larson, tous les films et les séries sont basées sur la même trame scénaristique.

Les humains habitant une colonie de 12 planètes sont à nouveau attaqués par des robots humanoïdes et cherchent  refuge dans l’univers…

La première série « Galactica»  ou « Galactica 1978″ fut créée vers la fin des année 60 et s’appelait au départ « L’arche d’Adam» , G.A Larson ne put la lancer en production que bien plus tard, lors de la sortie et du succès de Star Wars.

La série fut donc lancée en 1978 et était parfois présentée en 3 films au lieu d’un film en entier. Elle a bien tourné au début puis s’est essoufflée au fil des épisodes avant d’être arrêtée par la chaîne de TV ABC pour baisse significative d’audience. La décision de relancer la série en 1979 donne naissance à « Galactica 1980″ qui raconte la suite de « Galactica» …

Dans Galactica 1980, les humains trouvent refuge sur la planète terre et la protège des attaques cylons. Cette suite devait relancer la série, mais ce fut un désastre car réalisée avec un manque de moyen évident. La plupart des épisodes ont pour décor la terre et ne comportait pas ou très peu d’effets spéciaux ce qui a déçu de nombreux fans.

Bref la série ne connaissait plus les succès des débuts…

Après plusieurs essais afin de relancer la franchise, notamment avec Todd Moyer (Wing Commander), Bryan Singer(X-men 1 et 2) et d’autres, la série ne reverra pas le jour à chaque fois les projets n’ayant pas abouti.

En 2003 arrive Ronald Dowl Moore (Star Trek), et relance la franchise avec un tout nouveau style et des moyens un peu plus important, même si les épisodes pilotes sont limités pour certains décors… BattleStar Galactica 75 est né !

Par contre RD Moore a redistribué plusieurs personnages clés, notamment celui de Starbuck devenant un rôle féminin. Il apporte aussi une touche dramaturgique à la série en mettant en avant les relations et la vie entre les humains et entre les cylons. Il y a intégré des histoires et des problèmes propres au personnages clés ayant chacun une personnalité bien trempée.

Fait important également, une nouvelle race de modèles cylons fait son apparition, des humanoïdes qui ressemblent aux humains.

Synopsis  :

Quelque part dans l’univers, les humains vivent sur un système de douze planète appelées « les colonies» . Les colonies ont été en guerre contre les cylons (robot / humanoïde) par le passé. Une trève fut signée et les cylons disparurent de l’univers.

Après cette guerre, les humains décidèrent de reconstruire leur monde, les colonies donc et 40 ans passèrent.

Les vaisseaux de la guerre furent détruits au fur et à mesure des années, devenant obsolètes. Sauf pour un qui, au moment où commence la série, va être démilitarisé afin de devenir un vaisseau musée, Le BattleStar Galactica 75…

C’est à ce moment propice que les cylons décident de revenir afin de finir le travail commencé 40 ans plus tôt lors de la première guerre.

Un humain appelé Baltar,  trahi son peuple en donnant les codes d’accès au système de sécurité des colonies au cylons qui s’empressent de le  mettre HS grâce à un virus informatique. Les cylons lancent donc une attaque sur les Colonies, détruisant les planètes ainsi que la quasi totalité des vaisseaux spatiaux des 12 colonies sur leur passage.

Quelques dizaine de milliers de survivants embarquent à bord des vaisseaux spatiaux disponibles pour fuir. Une flotte coloniale se forme avec pour seul vaisseau militaire le battlestar Galactica 75. Il a survécu à l’attaque, n’ayant pas été atteint par les virus informatique des cylons dus à son âge.  Le vaisseau commandé par le capitaine Adama prend le reste des vaisseaux de la flotte sous sa protection et engage un voyage vers un refuge mythique, la Terre…

Résurrection ?

La série garde toujours le même fond à chaque fois, mais le coup de jeune redonné par RD Moore a permis à la franchise d’avoir le succès qu’elle méritait. De nombreux objet dérivés on vu le jour et les décors de la série ont été vendus aux enchères il y a peu.

Personnellement je suis déçu par les 2 dernières saisons, ça part en « freestyle»   quelques fois laissant place à des croyances et évènements mystérieux voire mystiques.

En globalité, c’est une bonne série agréable et bien ficelée (hors dernières saisons ; – ) ), le suspens et l’action sont bien présent, les effets spéciaux sont pas mal et on a envie de voir un nouvel épisode dès la fin du premier.

Cependant, succès oblige, les producteurs ont voulu tirer la corde jusqu’au bout  (comme d’habitude) et comme je le narrais un peu plus haut, les dernières saison sont moyennes niveau scénario !

Un extrait de BttleStar Galactica 1978 :

Et 3 trailers de BattleStar Galactica 75 :

Et si on découvrait un passage vers des mondes parallèles… mais que tout le reste soit différent… et si on ne trouvait plus le chemin du retour…

Telles sont les phrases d’intro d’une série que j’adore : Sliders, les mondes parallèles. Et oui, il existe des fans de cette série (je sais c’est bizarre, je pense que je vais être seul sur coup là).

Sliders, les mondes parallèles est une série de science-fiction diffusé en France à partir de 1996 sur M6 principalement.

Au final, il y aura 5 saisons soit 88 épisodes de 42 minutes, ce qui est quand même preuve de qualité, n’est-ce pas ?

Retour sur le synopsis :

L’idée de départ est franchement intéressante : un jeune adulte dénommé Quinn Mallory invente une machine créant un vortex permettant de glisser dans des dimensions parallèles.

Quinn invite une amie et son professeur pour leur faire découvrir cette machine.

Lors d’un test, ils se rendent dans un monde parallèle (en absorbant au passage une voiture passant par là) et atterrissent au milieu d’un ouragan sur un monde froid et gelé.

Quinn se voit dans l’obligation de ne pas respecter le délai pour glisser à nouveau. C’est alors qu’ils arrivent dans un nouveau monde, sans possibilité de rentrer chez eux.

Totalement perdus dans les mondes parallèles, ils glissent de monde en monde, d’univers en univers.

Générique de la saison 1 :

Les acteurs sont presque tous totalement inconnus en France :

• Jerry O’Connell (Quinn Mallory dans la série) est sans doute le plus connu du casting grâce à son apparition dans Scream 2 (bon, depuis je ne l’ai pas revu).

  Jerry O’Connell est présent de la saison 1 à la saison 4 (exit Jerry O’Connell dans la saison 5, le truc de dingue totalement débile !)



• John Rhys-Davies dans le rôle du Pr Maximillian Arturo (présent de la saison 1 à 3 : les scénaristes ont décidé de le faire mourir dans un double épisode de fin de saison sans intérêt).

  Le Pr Maximillian Arturo est le personnage le plus intéressant après Quinn Mallory. La relation professeur / étudiant apporte également un réel plus à la série.

• Les 2 autres acteurs principaux ont moins d’intérêt. Il s’agit de Sabrina Lloyd (Wade Kathleen Wells) et Cleavant Derricks (Rembrandt Brown). A noter que Cleavant Derricks est le seul à être présent dans les 5 saisons.



• D’autres acteurs sont entrés dans le casting, comme Charlie O’Connell (Colin Mallory) à partir de la saison 4 (qui est le vrai frère de Jerry O’Connell. Çà sent le piston cette histoire !) ou Maggie Beckett (dans les saisons 3, 4 et 5).

Je ne loupais aucun épisode à l’époque (ou presque). J’étais archi fan. Pourtant, on peut dire que la qualité des épisodes était franchement aléatoire.

Je me souviens d’épisodes totalement géniaux de la première saison dont notamment l’épisode pilote et l’épisode « Le monde de l’intellect»  dans lequel Quinn est un champion de MindGame (jeu de l’esprit) dans lequel il doit répondre à des questions de connaissances tout en jouant avec le ballon.

De grosses erreurs ont été commises à de plusieurs reprises : modifier le casting original de la série, manque de moyens et de budget (je me souviens de décors en carton ou de studios totalement pourris), des effets spéciaux catastrophiques, scénario rédigé à la va-vite… et j’en passe.

La série pare totalement en vrille à partir de l’apparition des kromax ou cromax (des sortes d’humanoïdes maitrisant la glisse et voulant conquérir tous les mondes parallèles). Ces épisodes sont d’une grande débilité.

Malgré cela, je reste encore scotché dès qu’un épisode est diffusé. Ce qui me plaît dans cette série B repose sur le fait que chaque épisode est basé sur la découverte d’un nouveau monde, de ses règles et codes, de son histoire,… Le scénario de la quasi totalité des épisodes est basé sur ce que l’on appelle un uchronie.

Attention, petite définition wikipédia : L’uchronie est une évocation imaginaire dans le temps. L’auteur d’une uchronie prend comme point de départ une situation historique existante et en modifie l’issue pour ensuite imaginer les différentes conséquences possibles. À partir d’un événement modifié, l’auteur crée un effet domino (terme anglo-saxon couramment utilisé : effet papillon) qui influe sur le cours de l’histoire.

Voici quelques exemples uchronie issues de Sliders :

• L’URSS a conquis les États-Unis
• Les dinosaures n’ont pas disparu
• L’Amérique du Nord est restée une colonie britannique
• L’ État de Californie a fait sécession et est devenu une nation libre et indépendante
• …

M6 a lâché cette série, car ils ont considéré à plusieurs reprises certains épisodes comme trop violent ou choquant. Franchement, on ne peut pas trop leur lancer la pierre. Voici un petit aperçu d’un épisode qu’ils n’ont pas du apprécier : Sliders 4.03 – Un monde de cobayes. Qu’est-ce que vous en pensez ?

Je me suis arrêté à la saison 4 (volontairement). Je n’ai jamais vu la saison 5 qui a été diffusée en France uniquement sur 13ème rue pour préserver de grandes déceptions.

Il faut savoir que Jerry O’Connell (ainsi que son frère) n’est plus présent dans l’ultime saison.

Dans la série, Colin et Quinn Mallory sont censés avoir fusionné dans le vortex en une nouvelle personne, un peu comme dans Dragon Ball Z (je sais c’est totalement ridicule, j’ai honte pour les scénaristes ayant pondu une idée aussi merdique).

Bref, il n’en reste pas moins que je ne boude pas mon plaisir à redécouvrir des bons épisodes sur Virgin 17 le soir (depuis janvier 2010).

Et oui, Sliders est diffusé actuellement (mais jusqu’à quand, alors profitez-en un peu).

Comme toutes les séries de science fiction, Sliders a son propre univers. Cette série ne faisant pas l’unanimité mérite sa chance (au moins pour les deux premières saisons) auprès des fans de SF.

Pour s’échauffer, commençons par un petit passage biographique.

Bernard Wantier, de son vrai nom, est né le 28 décembre 1953 à Hénin-Beaumont (Pas de Calais). Il est musicien, comédien et s’est fait connaitre avec le groupe Les Musclés notamment pour leurs participations au Club Dorothée, ainsi que pour l’interprétation de nombreux génériques de dessins animés et séries diffusés dans cette même émission.

Avant le club Dorothée ?

Et bien avant ça, Bernard Wantier (pour le moment on va le nommer comme ça vu que c’est son vrai nom déjà et qu’en plus à ce moment là il l’utilisait comme tel) n’a pas chômé. En effet, il a d’abord commencé par se produire dans les bals de sa région en 1969, et oui les fêtes à neuneu et tout ça. Car il fût un temps où il fallait faire ses preuves à petite échelle avant d’être popularisé (spéciale dédicaces aux émissions tout caca qui passent à la télé actuellement, mais passons si vous voulez bien).

C’est ainsi que l’année suivante il est monté à Paris (oui expression ô combien logique mais bon c’est comme ça, même si je n’approuve pas, j’utilise, c’est comme les … hmmm enfin bref).

L’aventure parisienne

Passionné et talentueux, Bernard est vite repéré parmi les groupes musicaux qu’il a fréquenté. Ainsi des opportunités de travail s’offrent à lui et il a donc pu collaborer avec les plus grands (de l’époque) comme Charles Aznavour, Nicole Croisille, Richard Clayderman, Sheila, Philippe Lavil, Mort Shuman, Alain Barriers, Alan Chamfort et Thierry le Luron.

Et c’est peu après qu’il va rencontrer et commencer à travailler avec, je vous le donne en mille : Dorothée ! Non personne ne s’en doutait, c’est pas vrai.

Cette aventure lui aura aussi permis de remporter un premier prix de percussion au conservatoire national, et ça c’est pas du pipeau (puisque c’est de la percu… oui je serai puni pour cette blague horrible).

L’aventure solo

Malgré ses talents incommensurables d’acteur (qui pouffe dans le fond ?), Bernard Minet continuera de produire des albums solo tout au long de sa carrière, et pas juste deux ou trois comme ça histoire de, non non mon bon monsieur (et ma bonne dame). En vrai touche à tout, et batteur d’origine, la plus grande œuvre de sa composition (par grande j’entends celle pour laquelle il y a eu le plus de parution) est une série de CD de la collection « Synthétiseur Les plus grands thèmes classiques» . Et ça tout de suite ça en bouche un coin à certains.

Un de ses gros succès sera même un montage de sample tiré des commentaires sportifs de Thierry Roland et Jean Michel Larque (pour les connaisseurs, et les autres de tout façon c’est comme ça).

Cette période, si on peut dire (vu que tout se chevauche un peu, on ne chôme pas chez Bernard !) sera aussi celle de la sortie d’album pour les petits et les gentils, qui est d’ailleurs le nom d’un d’entre eux : Bernard Minet chante pour les petits et les gentils. Si c’est pas mignon ça. Plutôt que de blablater pour paraphraser, voici une petite liste des albums solo de Monsieur Minet :

1990 : Synthétiseur 5 – Les Plus Grands Thèmes Classiques
1991 : Synthesizer Greatest – The Classical Masterpieces
1991 : Jolies petites filles
1993 : Bernard Minet
1994 : Bernard Minet
1996 : Bernard Minet chante pour les petits et les gentils
2002 : Génération Bioman

Les Musclés et le Club Dorothée

(on garde le plus important, les génériques, pour la fin, comme à la télé, et je vais mettre des pub avant même, peut-être)

Le début de la collaboration avec Dorothée et les Musclés marque un tournant dans la vie de Bernard Minet. À partir de 1987 il apparaitra tous les mercredi après-midi dans l’émission club Dorothée avec son groupe. Groupe dans lequel il est batteur et chanteur.

Musicalement d’abord, les musclés vont connaitre assez rapidement un succès disons…. important. Ils participent aux concerts de Dorothée en tant qu’accompagnateurs musicaux, Ils produisent leurs propres morceaux et tournent même des clips de fou ! « C’est la fête au villaaaaaageuh …»  Hop essuyage d’une petite larmichette qui coule malgré moi. Une petite liste de leurs album :

1989 : La fête au village
1990 : Vive la France
1991 : Les Musclés
1993 : Les Musclés
1994 : Les Musclés
1994 : La Plaine Saint-Denis
1995 : La bombe atomique
1996 : Faites la fête avec les Musclés (compilation)
2007 : The retour (compilation)

Encore plus fort que la musique, la télé ! C’est en 1989 qu’arrive tel un tsunami la série philosophique  » Salut les Musclés»  où on suivait avec délectation la vie de Cinq copains qui vivent ensemble et doivent assumer la prise en charge de la nièce d’un d’entre eux (Framboisier). Dans cette série Bernard Minet joue le rôle du timide qui se fait maltraiter par sa petite amie. Il est aussi le sentimental, et avec Framboisier, surement l’un des personnages les plus appréciés de la série. Enfin, jusqu’à l’arrivée de la charmante extra terrestre Hilguegue, encore que cette préférence est peut-être juste une question de goûts personnels.

Toutefois cette série connait un succès plus que raisonnable et des évolutions aussi loufoques qu’accrocheuses (pour le public de l’époque hein, j’avais une dizaine d’année alors on pardonne s-il-vous-plait). Ainsi en 1995 AB production décide de faire une suite ! Et là, ils ont une idée de fou : et si on mettait tout ce petit beau monde sur un bateau de croisière ? Ça leur permettrait de rencontrer plus de gens et donc de mettre en scène encore plus de subtilité (ou stupidité oui, mais du moment que le public suit de toute façon). « La croisière Foll’amour»  est née. Les personnages récurants les plus appréciés de l’ancienne série vont suivre, à savoir les musclés, Hilguegue et Valériane, une autre charmante extra-terrestre… (Note personnelle : trouver leur planète d’origine).

Les génériques !!!

OUAAAAIIIIISSS !!!!! Enfin, youpi, wouhouhouhou tirelipimpon sur le chihuahua ! (spéciale dédicace à Carlos, s’il nous lit…. oui oui han c’est de mauvais goût beurk, bah vous verrez quand je ferai un article sur lui, ça sera du lourd… et oui j’enchaine, tel Laurence Boccolini avec des maillons faibles… bref.)

Dès 1985, Bernard Minet commencera à interpréter des génériques pour le groupe AB avec « Biskitts»  puis « Go Gobots» . Au début, ses interprétations sont anonymes et même parfois méconnaissables par une déformation de sa voix (les Bisounours). Suivront des signatures de certains animés déjà existants chez le groupe AB. Et en 1987 : Goldorak (sous le pseudonyme de Minek) et Silverhawks (attribué aux Musclés).

C’est là que tout se fait pour ses collaborations aux génériques des émissions d’AB. Maintenant confirmé comme interprète, d’une part sa carrière solo monte, mais aussi celle des Musclés et surtout le nombre des génériques interprétés. La majorité de ses génériques étant destinés à des émissions et dessins animés diffusés dans le club Dorothée. En vrac on retiens bien entendu Bioman, Juliette je t’aime (han si, certain(e)s s’en souviennent surement), le collège foufoufou, l’école des champions (dédicace à Gwen, ne m’en veux pas trop), les chevaliers du zodiaque.

Ces génériques, s’ils ne brillent pas par leurs textes, prennent toute leur signification par l’interprétation qu’en fait Bernard Minet, allant jusqu’à se déguiser pour les chanter en public ou pour paraitre sur les covers. Leur diversité fait que n’importe quel enfant ayant connu la télé au début des années 90 connait forcément au moins un générique du chanteur. Chacun ayant ses préférences bien entendu, que ce soit vraiment quant au générique ou plutôt concernant la série qu’il illustrait. Une petite liste piquée sur wikipédia pour illustrer la dimension de l’œuvre et sa diversité.

Adrien le sauveur du monde
Les Attaquantes
Bioman
Bioman 2 : Maskman (Dis-moi Bioman, avec Sandrine et Stéphanie)
Bioman 3 : Liveman (Bioman est de retour)
Biskitts
Les Bisounours (Je veux être un Bisounours)
Les Chevaliers du zodiaque
Club Dorothée (C’est toujours les vacances au Club Dorothée)
Le Collège fou, fou, fou
Conan l’aventurier
Dragon Ball et Dragon Ball Z
L’école des champions
Flashman
Fly
GI Joe
Giraya
Go Gobots
Goldorak
Grand prix
Le grand Sherlock Holmes
Gu gu Ganmo
Jaspion
Jeu set et match
Jiban
Juliette je t’aime
Marc et Marie
Muscleman
Patlabor
Paul le pêcheur
Pygmalion
Ranma 1/2
Le Roi Arthur
Robotech
Sailor Moon
Les Samouraïs de l’éternel
Sharivan
Sheider
She-ra
Shurato
Spiral zone
Turbo rangers
Willy boy
Wingman
Winspector

Alors bien sur, je ne les connais pas tous, que ce soit les animés ou les génériques, mais il y a là de quoi rappeler des souvenirs à beaucoup. Je vous invite d’ailleurs à évoquer vos préférences dans les commentaires et même à vous battre pour défendre votre point de vue.

Et maintenant ?

Suite à l’arrêt de l’émission le club Dorothée, Minet s’est fait discret quelques temps. Et puis après un petit passage à vide, il a commencé à se produire dans les discothèques et clubs pour interpréter, avec succès, ses plus grand titres, dont beaucoup sont des génériques. Il commence d’ailleurs la plupart de ses concerts commencent par le célèbre « Salut bande de tarés»  et bioman.

Il a fait aussi une fois une apparition dans un salon japanique à tendance mangas à Rennes (35) il y a de cela quelques années. C’est, à ma connaissance, sa seule apparition dans ce genre d’évènement. Et, chanceux que je suis, je l’y ai vu. Nous y avions eu droit à une conférence de presse où mon collègue Gwen et moi avons appris que Bernard Minet ne regardait pas les séries pour lesquelles il chantait les génériques, d’une part par manque de temps, et d’autre part parce qu’il n’aime tout simplement pas vraiment les mangas et autres animés. Et oui, ça casse le mythe hein.

Mais rassurez-vous, il est tout de même très sympa et il s’est montré disponible lors de cette conférence. Suite à cela, il nous a gratifié d’une séance d’autographes ! Après une heure et demi de queue, j’ai pu lui serrer la main, me faire prendre en photo avec lui et il m’a signé une carte pré-faite avec une faute d’orthographe, et ça, c’est la classe. Et en plus être accueillit par Bernard Minet qui nous lance joyeusement un « salut les copains»  en entrant dans la petite pièce où il était brrr rien que d’y penser j’en ai des frissons.

Après cet intermède jubilatoire, la journée n’était pas fini oh non ! Après les séances de dédicaces et de conférence, Bernard Minet donnait un concert pour le salon. Et là, la claque. Amateur de festivités que je suis je n’avais jamais vu un public aussi hétéroclite : tous ages, tous niveaux sociaux, tous goûts vestimentaires et musicaux. Et à la minute où la première note a été jouée, toute la salle (comble bien sur) chantait en cœur. En artiste généreux, Bernard Minet nous avait réservé un spectacle complet avec bon nombre de ses plus célèbres génériques.

De plus il nous avait réservé quelques surprises en interprétant par exemple les génériques de Dragon Ball qui étaient à l’origine chantés par Arianne (co-présentatrice du club Dorothée). Et il faut bien avouer que ça donne une toute autre dimension à la chose. La plus grande surprise, et émotion fût cependant sans aucun doute l’interprétation du générique de Saint Seiya (les chevaliers du zodiaque) avec l’air japonais mais des paroles traduites (qu’un fan lui avait envoyé par mail). Et si jamais avant cela il y avait dans la salle encore un sceptique quant à son talent, il est sur qu’après ça, sa vie a changé, la mienne aussi d’ailleurs.

La fin ?

Pour l’article oui, pour Bernard Minet non, en 2007 les retrouvailles avec les Musclés ont permis la sortie d’un nouvel album, avec notamment la chanson « Nicolas et Ségolène» . Je suis sûr que si on croise les doigts très très fort, un jour il reviendra tel Arnold Schwarzy (nom à la @+! aussi) dans sa superbe réplique. En attendant je vous laisse à vos rêveries et à vos éventuels débats sur vos préférences « génériquaires» .

Plus de détails sur la page wikipédia dédiée et bien sûr, sur le site officiel de Bernard Minet.

Ça vous dit quelque chose un jeu télévisé qui se déroule dans un décor de restaurant américain style fast food et Alain Chabat habillé en serveur pour présenter le tout ? Vous avez deviné (j’espère) ?

Il s’agit du Burgez Quiz, LA dernière émission envoûtée voire possédée par l’esprit canal.

Burger Quiz est une émission de télé inclassable, de part son originalité et son concept.

Un jeu totalement délirant resté sans équivalent, encore aujourd’hui.

Née de l’imagination d’Alain Chabat et de Abd-el-Kader Aoun, cette émission n’a pas duré très longtemps, puisqu’elle a été diffusée sur Canal+ de septembre 2001 à juin 2002 en clair à 20h (avec en extra, une émission spéciale réveillon).

Nul besoin de présenter Alain Chabat, contrairement à Abd-el-Kader Aoun qui est resté plus discret, alors que l’on connaît tous ses textes et son oeuvre.

Abd-el-Kader Aoun est un scénariste et metteur en scène. Il a produit notamment Le Jamel Comedy Club ou encore participer à l’écriture de La Tour Montparnasse infernale avec Eric et Ramzy.

Il participe également au Vrai Journal de Karl Zéro et à Nulle part ailleurs. Pour les plus curieux, on pouvait l’apercevoir comme serveur derrière Alain Chabat me semble-t-il lors de l’émission.

Revenons à nos moutons, c’est vraiment étonnant qu’une émission de cette qualité n’ait été diffusée que sur une période aussi courte. Je ne connais pas les raisons officielles de l’arrêt de l’émission, mais on peut sans doute penser que le planning d’Alain Chabat devait être un peu charrette.

Plusieurs personnes ont essayé de présenter l’émission à sa place mais la mayonnaise ne prenait pas réellement : Laurent Baffie, Gad Elmaleh, Anne De Petrini ou encore Kad.

L’émission dépendait énormément également de la qualité des peoples/célébrités invités. La présence de Kad et Olivier, Dieudonné (encore fréquentable à l’époque), Jamel Debbouze, Laurent Baffie et j’en passe était très bon signe.

Revenons sur le principe du jeu pour ceux qui ne connaitrait pas (franchement je ne sais pas si c’est possible !)

Le principe du jeu était très simple. L’équipe Mayo et l’équipe Ketchup s’affronte pour remporter 25 Miams (1 Miam est 1 point) et accéder à la finale. Chaque équipe est composée de 3 personnes (2 célébrités + 1 candidat).

Pour gagner 1 miam ou plusieurs, il fallait répondre à des questions totalement loufoques. Il y avait différents modes de jeux :

• Le toast : c’est une devinette ou jeu pour déterminer quelle équipe aura la main

  Exemple : Un gros paquebot coule, il y a 647 passagers dont 237 femmes, 160 enfants et 250 hommes. Il y a assez de canaux de sauvetage pour tout le monde. Sachant qu’un canau peut contenir 20 enfants, 15 femmes et 26 hommes, à quel poignet se trouve ma montre ?

• Les Nuggets : chaque équipe répond à une série de questions.

  Exemple :

  Amélie Poulain aime?
  A) Marcher la nuit dans Montmartre
  B) Plonger ses mains dans les graines
  C) Faire du manège dans les fêtes forraines
  D) Fumer un petit joint de temps en temps

• Sel ou Poivre : questions de rapidité entre les équipes

Raymond Barre, un Ornithorynque ou les deux
- a un corps de louttre? l’Ornithorynque
- originaire de St Denis de la Réunion? Raymond Barre
- il creuse les terriers? l’Ornithorynque
- titre de Meilleur économiste de France? Raymond Barre
- il pèse entre 2 et 100 kilos? Les deux
- il pond 2 à 3 oeufs? l’Ornithorynque
- s’accouple au printemps? Les deux
- Paradoxus fut son premier nom? l’Ornithorynque
- on a d’abord cru à une supercherie? Les deux

• Les Menus : série de questions sur un thème choisi, comme par exemple : Les noms des habitants de villes, un menu génial pour apprendre que les Maurimonastériens habitent la ville de Marmoutier
• L’addition : idem que Sel et Poivre sauf que l’équipe remporte 3 Miams par bonne réponse

Source questions Burger Quiz

Le premier candidat parvenant au 25 miams avait la chance de tenter le Burger de la Mort. Il fallait répondre dans l’ordre après avoir écouté les 10 questions posées par Alain Chabat. Si le candidat répondez qu’aux 5 premières questions, il remportait le Petit Burger de la mort. Pour gagner, il fallait répondre aux 10 questions pour gagner souvent une jeep ou un voyage.

Pour rappel et pour replacer le Burger Quiz dans son contexte, on pouvait voir à cette époque le Bigdil avec Vincent Lagaff sur TF1 (un humour totalement différent !) avec Dj Aspé.

Petite piqûre de rappel :

Note : le premier auteur de la team de Geek vintage qui fait un article sur Le Bigdil a un blâme !

Burger Quiz ce n’est pas qu’une émission télé ! C’est aussi un jeu de société d’ambiance très réussi. Pour ma part, le réveillon était l’occasion de faire plusieurs parties de Burger Quiz entre amis (fous rires garantis).

Un pote avait même le tablier bleu du serveur et la lumière qui fait peur pour le Burger de la mort.

Les spots télé pour le jeu de société :

Sans déconner, vous connaissez d’ailleurs un jeu tout simplement agréable à regarder en ce moment ?

Je m’égare, je m’égare, bref…

Sur Game One, donc, passait une fabuleuse série, dont je vais vous vanter les qualités, Red Dwarf.

Description de la série

• Titre: Red Dwarf
  Réalisateurs: Rob Grant, Doug Naylor
  Première diffusion française: 1997 (C:)
  Saisons: 8
  Nombre d’épisodes:52
  Acteurs principaux: Craig Charles (Dave Lister), Chris Barrie (Arnold Rimmer), Danny John-Jules (Cat), Normann Lovet (Holly)

Synopsis

Dave Lister, le principal protagoniste de la série, est un technicien faisant partie de l’équipage du Red Dwarf, un vaisseau minier spatial. Après s’être fait pincer pour faute grave, l’introduction à bord du vaisseau d’un chat, Lister est placé en « statique»  (une sorte de prison où le temps est arrêté) pour 18 mois.

3 millions d’années plus tard, Holly, l’ordinateur de bord, laisse sortir Lister de sa statique. Pendant ce temps, un accident radioactif a eu lieu (en grande partie de la faute de Lister qui n’a pas pu aider Arnold Rimmer, officier et supérieur direct de Lister, à réparer une porte de sas qui est à l’origine de l’accident) tuant tout l’équipage du Red Dwarf. Les seuls survivants sont Lister et Cat, un humain qui descend directement du chat. Rimmer, a été transféré dans un hologramme.

Red Dwarf, la série humour-sf

Ce qui vous attends dans Red Dwarf, ce n’est pas de la SF à la Stargate SG1, avec le serious colonel Jack O’Neill et le non moins serious Tilc et ses wonderful haussements de sourcils, non, c’est plutôt une bonne petite série de SF avec du bon gros humour anglais dedans.

Dans Red Dwarf les blagues potaches fusent, ainsi que diverses moqueries sur les Français ou encore les Allemands. Chaque épisode nous en apprend un peu plus sur le Red Dwarf, et sur les diverses planètes, ainsi que les différentes dimensions, que vont visiter nos chers protagonistes.

Le scénario s’en trouve riche, très riche même, ce qui fait que chaque épisode n’est pas seulement basé sur l’humour, mais aussi sur un fil scénaristique qui tient la route, et qui passionne de bout en bout.

On peut citer, par exemple, le très bon épisode « Ouroboros»  (qui signifie littéralement « se mord la queue» ), ou Lister revoit Christine Kochanski (Chloë Annett), un ancien membre du Red Dwarf, et qu’il découvre qu’il est son propre père, ou encore « Psirens» , qui fait partie de ces épisodes mémorables de la série, avec ses monstres dégueulasses qui sucent le cerveau.

De Red Dwarf se dégage aussi un très bon univers. L’aspect très carton pâte des premiers épisodes (notamment la première apparition de Kryten, avec son costume assez cheap) et les premiers effets spéciaux ne sont pourtant pas très attirants.

Cependant, on accroche tout de suite, car ce n’est pas too much, et les scénaristes ont mis en place une réalité plausible. Par exemple, le fait qu’à la mort d’une personne, celle-ci puisse être réincarnée sous forme d’hologramme (bon ok, j’ai pas choisi le meilleur exemple, mais pourquoi pas ?).

Et puis, les divers intervenants de la série ne sont pas des beaux gosses musclés ni des femmes aux formes parfaites dans des tenues moulantes, mais plutôt des bras cassés se démerdant tant bien que mal pour survivre dans l’espace et découvrir d’autres planètes, d’autres dimensions.

Rimmer, you’re a Smeg Head !

Les personnages sont tout de suite attachants.

Dès la première apparition de Lister, on sait tout de suite que l’on va avoir à faire au personnage principal de la série, malgré que celui-ci soit un gros gland, qui bouffe beaucoup, et mal, qui ne sait pas jouer de la guitare, mais qui a un coeur gros comme ça.

En résumé, Lister passe pour un gros feignant crado qui adore tout ce qui est « vindaloo»  (il affrontera notamment, dans un épisode, un monstre qui a muté à partir du vindaloo).

Quasiment tout le long de la série, Lister va devoir supporter Rimmer, et vice versa.

Rimmer, sûrement mon personnage préféré de la série. Rimmer est un condensé de ce qui est moche dans la nature humaine: il est lâche, peureux, méchant, imbu de lui-même et, au premier abord, un personnage détestable. Mais, c’est ce qui fait qu’on l’aime. Lui et Lister passent leur temps à se balancer des piques et des grosses vannes.

Rimmer passe pour le coincé de la bande, qui est un adorateur des empereurs tels que Napoléon, et de la vie à l’ancienne. Dans l’épisode « Blue»  Lister, Cat, Kryten et Kochanski subiront la Rimmer Song, qui est un des passages cultes de Red Dwarf, une chanson où Rimmer vante les mérites de … Rimmer.

Il deviendra cependant « Ace»  Rimmer, une sorte de justicier galactique devant prendre le relais d’un précédent Rimmer, le précédent d’une longue lignée de justiciers (« What a guy !» ).

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Cat est sûrement le personnage le plus déjanté de la série. Les réalisateurs ont du vouloir montrer ce que serait vraiment un chat sous forme humaine, et bien, quoiqu’on en dise c’est réussi. Si vous pensez comme moi que les chats sont des animaux fiers, ne pensant qu’à eux, et se trouvant les plus beaux de la Planète, Cat en est la parfaite illustration.

Il passe son temps à se reluquer et à renouveler sa garde robe, plus excentrique que jamais. Malgré tout, on ne peut pas dire qu’il soit très malin, sa vie ne se résumant qu’à se pavaner, à dormir et à manger.

Holly, l’ordinateur de bord, a 6000 de QI, malgré que l’on se demande si, quelques fois, ce n’est pas un gros mensonge (cependant, l’épisode « Queeg»  nous rassure sur son niveau intellectuel). Symbole de l’humour pince sans rire et adepte des vannes cassantes, Holly est un élément clé de la série, qui, plus tard dans la série, deviendra Hilly son alter ego féminin. C’est lui qui dirige le Red Dwarf.

Dernier personnage principal, Kryten est un robot serviteur qui fait sa première apparition dans l’épisode tout simplement appelé « Kryten» . L’équipage le retrouve en train de servir des squelettes, ses anciennes maîtresses décédées depuis des lustres. Rimmer profitera de lui avant que Lister ordonne à Kryten de se rebeller et d’ignorer les ordres de Rimmer.

Kryten, malgré sa rébellion, aime tout de même faire les tâches ménagères, qu’il trouve intéressantes. Avec Holly, c’est la tête pensante de l’équipage.

Red Dwarf, une série culte

Finalement, Red Dwarf est un tout, bon scénar, personnages super attachants et intéressants, humour « so British» , et effets spéciaux pas dégueux pour l’époque. On retiendra aussi le générique d’ouverture de Howard Goodall, super entraînant. Dommages que les saisons soient aussi courtes (environ 6 épisodes par saison).

Retenez aussi de cette série la fameuse insulte « Smeg Head» , qui n’a de signification nulle part ailleurs que dans Red Dwarf (une insulte qui veut tout simplement dire « Tête de Noeud»  et qui convient parfaitement à Rimmer).

J’ai adoré m’affaler dans mon fauteuil devant cette série le mercredi après-midi, totalement amorphe, mais heureux de pouvoir me bidonner devant cette excellente série anglaise. Et ça, je peux vous dire que ça signifie « Gwen Approbation»  !

Ah, MacGyver ! S’il est des séries cultes de par le monde, celle-ci en fait assurément partie. Qui ne connaît pas MacGyver de nos jours ? Même les plus jeunes, qui n’ont pas eu la chance de regarder les aventures de ce héros, connaissent forcément son nom.

Pour moi, MacGyver, ça me rappelle mon enfance, le dimanche midi en famille assis devant le petit écran en train de suivre les péripéties de cet homme qui sait tout faire. Je m’égare un peu, mais cette série est forcément empreinte de nostalgie pour moi !

Et oui, je ne suis pas devenu rédacteur pour Geek Vintage pour rien ! D’ailleurs, pour bien démarrer votre lecture, voici le générique !

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Mais trêves de bavardages et entrons dans le vif du sujet. Je ne vous apprendrais rien en vous expliquant de quoi ça parle, mais comme tout bon article qui se respecte, il me paraît indispensable de rappeler l’essentiel au cas où une âme égarée n’aurait jamais entendu parler de cette série.

Pour résumer, MacGyver est un agent secret travaillant pour l’Agence Phoenix, laquelle l’enverra aux quatre coins du monde pour diverses missions.

Ce héros se distingue non seulement par son inventivité hors du commun (il peut en effet faire tout et n’importe quoi avec trois fois rien) mais il se caractérise aussi par le fait qu’il ne se sépare jamais de son couteau suisse, son seul outil si je puis dire.

Maintenant, MacGyver, ça donnait quoi ? Hé bien, cette série a été un énorme succès à travers le monde. Elle compte en effet 139 épisodes répartis sur 7 saisons, tout ceci étant étalé sur une période allant de 1985 à 1992. Deux films ont également vu le jour en 1994 sous les titres de Le trésor perdu de l’Atlantide et Le chemin de l’enfer.

La série a reçu de nombreuses récompenses dont une remise par le Center to Prevent Handgun Violence (centre de prévention de la violence avec une arme). Hé oui, rappelez-vous, MacGyver a en horreur les armes et il ne s’en sert jamais pour se sortir du pétrin, ses inventions lui suffisent !

Mais ce dernier est aussi quelqu’un d’écolo, et ce n’est donc pas pour rien que la série a reçu un prix par l’Environmental Media Award (oscar de la défense de l’environnement).

Cette série a également vu naître de nombreuses vedettes. Outre Richard Dean Anderson, on peut notamment citer Teri Hatcher, qui joue le rôle de Penny Parker.

On retrouve même plusieurs acteurs qui accompagneront Mr Anderson dans sa future série autrement culte, j’ai nommé Stargate SG1. On peut ainsi y voir Don S. Davis (celui qui jouera le général Hammond dans Stargate) ou bien encore Christopher Judge (Teal’).

Enfin, comment parler de MacGyver sans évoquer son ennemi juré : Murdoc ! Ce tueur à gage essaye en effet à plusieurs reprises, dans différents épisodes, de tuer notre héros mais il finira par demander son aide un peu plus tard. C’est réellement l’ennemi le plus charismatique de la série, mais aussi le plus connu.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Pour terminer cet article, je vais aborder le succès commercial de la série, car oui, succès sur le petit écran rime avec gros sous !

Vous vous en doutez, les sorties VHS puis DVD ont fait inévitablement partie du gagne-pain des producteurs, mais savez-vous qu’on pouvait également trouver des goodies de toute sorte également ? Certains étaient même assez farfelus puisqu’on pouvait par exemple acheter le trombone (fake ?) MacGyver !

Quoiqu’il en soit, MacGyver est et restera une série culte et celle-ci est d’ailleurs ancrée dans pas mal d’esprits. Qui n’a jamais fait référence à ce héros lorsqu’on lui demandait de faire l’impossible ?! « Je ne suis pas MacGyver» , cette réplique, nous l’avons tous entendue un jour.

Je préviens immédiatement, il va être très difficile d’être exhaustif sur ce sujet tellement que l’univers des tortues ninja est étendu.

Il y a de tout : des comics, des séries télé, des films, des jouets,…

La licence des Tortues Ninja a été très bien déclinée par leurs propriétaires. Ils ont « mis le paquet»  !

Pourtant, il faut bien avouer que sur papier l’histoire de nos 4 tortues n’était pas très alléchante.

Imaginez aujourd’hui un mec qui va voir un producteur et qui lui propose de faire un dessin animé sur des tortues mutantes humanoïdes qui parlent et pratiquent le Kung Fu (et adorant accessoirement les pizzas) !

Peu probable ? Pourtant, ça a marché dans les années 90 et les Tortues Ninja sont devenues des légendes.

Pour ceux qui ont été interdit de télé et de ciné durant leur jeunesse :

Suite à l’exposition de 4 tortues à une substance radioactive dans les égouts de New-York, celles-ci se transforment en humanoïde. Ces tortues sont recueillies par un rat d’un maître d’arts martiaux assassiné.

Elles sont baptisées par le rat : Michaelangelo, Leonardo, Raphaël et Donatello.

Retour aux sources de cet univers :

Les Tortues Ninja ont été créées en 1984 dans un Comic américain par Kevin Eastman et Peter Laird.

Cette BD à l’époque était un pied de nez au comics Daredevil de Frank Miller.

Cette BD destinée plus aux adolescents qu’aux enfants fut rapidement adaptée et transposée sur nos écrans de télévision.

C’est notamment la série télévisée d’animation qui a fait exploser les Tortues Ninja en France (et un peu partout dans le monde).

Personne n’a pu échapper à un épisode des Tortues ninja (ils étaient même diffusés il y a quelques mois encore sur une chaîne de la TNT).

Pour ma part, j’ai toujours vu le dessin animé sur FR3 (je crois bien dans les Minikeums).

Un générique qui fait du bien :

Cette série connut un réel succès totalement inattendu. Il y a eu au final 193 épisodes de 25 minutes (soit 10 saisons).

Il est vrai que je n’ai jamais vu 2 fois le même épisode (je comprend mieux pourquoi maintenant). La série fut arrêtée en 1997.

Une série en 2003 a vu le jour sur les Tortues ninja. Je ne crois pas que cette série ait été diffusé en France. Avis aux amateurs ? Les commentaires sont ouverts.

Après l’énorme succès à la télévision, les tortues se sont attaquées au cinéma avec 3 films de valeur inégale.

Le premier film a été réalisé par Steve Barron en 1990 (sa filmographie nous est totalement inconnue). Ce film est bon.

On passe un très bon moment et le film fonctionne même si des passages sont maladroits. Au final, c’est fun, drôle et attachant.

Les costumes sont très réalistes, ce qui donnent un effet saisissant de réalisme. Pour avoir revu ce film dernièrement, les costumes n’ont pas pris une ride.

Deux autres suites ont vu le jour en 1991 et 1993. Le second film est également bon, mais reste moins bon que le premier volet.

Un extrait de les tortues ninja 2 :

Vous l’aurez compris pour apprécier ces 2 films, il faut les avoir vu avant l’age de 14 ans (sinon c’est la cata assurée !).

Pour finir, il y a eu un 3eme volet pour clore cette trilogie. Teenage Mutant Ninja Turtles 3 en version originale a été réalisé par Stuart Gillard.

Ce film est très mauvais : on retrouve les Tortues dans au Japon au XVIIe siècle dans la province de Shingu dans une histoire de voyage à travers le temps grâce à un sceptre magique ! Vraiment n’importe nawak !

Ces 120 minutes sont un désastre. Tout est nul !

Le character design a été légèrement modifié ! Quelle idée pourrie !

A partir des dessins animés et des films, un merchandising de dingue a été créé : des jouets, des figurines, des véhicules, des costumes, des gadgets, des pin’s, des pez, des montres, des verres à moutarde, des peluches, des VHS, du linge de lit et de toilette, de la vaisselle, des sets de table, des réveils, ou encore des draps de bain et d’autres T-shirts …

Une petite recherche sur ebay sur le terme « Les Tortues ninja« .

Les jouets tortues ninja étaient super cher dans mon souvenir. Une vrai ruine ! Je n’ai eu que celui :

Sources images : Backintoys

Une vidéo d’une pub pour les jouets tortues ninja trouvée sur l’ina

Je recherche un lot de verre à Moutarde les tortues ninja pour un prix correct. Ils se négocient aux alentours de 5 à 9 euros le verre ! Dingue ! (j’en ai cassé plein quand j’étais petit à table).

Je passais mes repas à me bourrer de moutarde pour avoir le verre !

Il y a eu également une pléthore de jeux vidéos. La liste des jeux des tortues ninja est impressionnante que cela soit sur arcade, sur consoles de salon ou encore sur console portable.

Voici un léger aperçu de cette liste :

• 1989 – Teenage Mutant Hero Turtles, sorti sur NES, Amiga, Amstrad CPC, Atari ST, C64, DOS, MSX, ZX Spectrum
• 1989 – Teenage Mutant Hero Turtles, sorti sur borne d’arcade
• Teenage Mutant Hero Turtles II: The Arcade Game, adaptation sur NES
• Teenage Mutant Hero Turtles: The Coin-Op!, adaptation sur Amiga, Amstrad CPC, Atari ST, C64, ZX Spectrum
• 1990 – Teenage Mutant Ninja Turtles: Fall of the Foot Clan, sorti sur Game Boy
• 1991 – Teenage Mutant Ninja Turtles II: Back from the Sewers, sorti sur Game Boy
• 1991 – Teenage Mutant Ninja Turtles: Turtles in Time, sorti sur borne d’arcade



• Teenage Mutant Hero Turtles IV: Turtles in Time, adaptation sur Super Nintendo
• 1991 – Teenage Mutant Ninja Turtles III: The Manhattan Project, sorti sur NES
• 1992 – Teenage Mutant Hero Turtles: The HyperStone Heist, sorti sur Mega Drive
• 1993 – Teenage Mutant Hero Turtles: Tournament Fighters, sorti sur Mega Drive, NES, Super Nintendo
• 1993 – Teenage Mutant Ninja Turtles III: Radical Rescue, sorti sur Game Boy
• Une belle pause de 10 ans !
• 2003 – Teenage Mutant Ninja Turtles, sorti sur GameCube, PlayStation 2, Xbox, Windows, Game Boy Advance
• 2004 – Teenage Mutant Ninja Turtles 2 : BattleNexus, sorti sur PlayStation 2, Xbox, Windows, Game Boy Advance
• et j’en passe…

Source de la liste des jeux vidéos Tortues Ninjas

Depuis 2006, le développement des jeux vidéos n’est plus confié à Konami Corporation (développeur historique des Tortues depuis la fin des années 80) mais à Ubisoft (j’ai peur !).

Pour ma part, je garderai en mémoire le Teenage Mutant Hero Turtles sur NES. Le jeu NES impossible à finir dans toute sa splendeur.

L’avenir des tortues ninja apparaît comme prometteur aux dernières nouvelles. La licence des Tortues ninja détenue par The Mirage Group et 4Kids Entertainment a été racheté par Nickelodeon pour la modique somme de 60 millions de dollars (si j’avais su ça avant ! Arf !).

Nickelodeon a annoncé dans la foulée la production d’un nouveau film (qui je l’espère ne sera pas en images de synthèses) et même une nouvelle série (je croise les doigts pour qu’elle soit orientée plus vers les adultes).

Les tortues n’ont pas fini de faire parler d’elles.

Que celui qui n’a jamais dit ça me jette la pierre … hey, non mais le faites pas vraiment !

Le lycée Santo Domingo, que de souvenirs, c’est comme si j’y étais allé, sauf que quand je regardais les (més)aventures de Parker et ses comparses je n’en avais pas vraiment l’age ^^.

Pour la petite histoire, Parker Loyd Lewis est un adolescent plutôt sympathique qui aime à mener une vie tranquille dans ce qu’il considère presque comme sa maison secondaire : le lycée de Santo Domingo (qui en fait est un collège dans la série puisque l’action se situe aux USA, mais par transposition française hein…). Avec ses deux meilleurs amis Mikey Randall et Jerry Steiner, ils font en sorte de rendre plus cool leur vie au lycée (oui du coup je reste sur ça, pour ceux qui ne connaissent pas c’est plus facile à situer) et de l’être eux-mêmes.

C’est sans compter sur des trouble-fête que sont la sœur de Parker, Shelly Lewis, petite peste manipulatrice dont le plaisir apparent consiste à tout faire pour pourrir la vie de son frère… comme toutes les petites sœurs quoi héhéhé (qui osera me dire le contraire ? hein ? hein ?); et la principale du lycée (oui han) Grace Musso dont la particularité est de casser la vitre de sa porte de bureau à chaque épisode.

Je me souviens d’un épisode ou prise d’un élan de mollesse amoureuse elle ne parvient pas à casser cette vitre du premier coup lors de la fermeture de la porte, à la stupéfaction de tout le monde, notamment de la sienne, mais elle se reprendra à la fin de cet épisode et enverra magistralement la porte contre le mur faisant par la même occasion exploser cette pauvre paroi de verre en morceaux.

Enfin, il y a son bras droit, ou son toutou, c’est selon. Frank Lemmer, tout droit échappé d’un vieux film d’épouvante dans le rôle d’un vampire quelconque et qui se retrouve affublé du rôle de la fouine qui semble se téléporter où et quand il faut, ou presque, pour faire foirer les plans du Parker’s band (copyright hein héhé).

Et puis il y a Larry Kubiac, ce colosse qui selon la légende aurait tué une nourrice étant bébé parce qu’elle aurait trop chauffé son biberon. Au début il représente une sorte de brute peu loquace qui ne supporte pas qu’on touche à sa nourriture (surtout lorsque toucher se résume à écraser son sac de déjeuner). Au fur et à mesure que l’histoire avance on se rend compte que sous la brute peu loquace se trouve en fait un nounours peu loquace (héhé) dont la phrase récurrente est « manger, maintenant»  et à qui il ne faut tout de même pas chercher des noises.

D’autres personnages forment le décors de cette série. Comme par exemple les parents Lewis qui de temps en temps nous gratifient de leurs merveilleux conseils d’éducation. Marty et Judy de leur prénom élèvent leurs enfants d’une manière plutôt lointaine tout en tenant à leur façon un magasin de location et vente de cassettes vidéo (on est vintage jusqu’au bout ici).

Pas mal de guest apparaissent de temps en temps. On peut apprécier dans le premier épisode la magnificence de Mila Jovovich ou encore l’exhubérence d’Ozzy Osbourne un peu plus tard, et même ! pleins d’autres ^^.

Ce qui a fait indubitablement la force et le succès c’est la façon dont elle est montée. Un brin cartoonesque, très rythmée. Les scènes s’enchainent d’une façon particulièrement originale, non sans trouver d’ailleurs ici l’inspiration d’autres séries comme disons Ally mac Beal. La narration toujours appropriée et le jeu des acteurs plutôt juste, c’est à dire un peu sur-joué vu l’ambiance de la série font qu’elle a tout de suite accroché un public nombreux, dont je faisais parti (et fait encore parti, je viens de regarder une dizaine d’épisode le temps d’écrire l’article, enfin, et c’est pas fini), et lui a assuré un succès durable.

Mémorables aussi, les génériques de début et de fin où on voyait à chaque fois une mise en scène particulièrement sympathique de Parker mis en difficulté, souvent par sa sœur, et qui finalement s’en sortait royalement. Excellente illustration du titre : Parker Lewis ne perd jamais.

Cependant, et oui, seule trois saisons ont été tournées, la troisième marquant le début de la fin. En effet, c’est après deux ans d’une formule qui ruuule que la série a commencé à « murir» . Or ! Les gens ne voulaient pas ça, non ils ne le voulaient pas ! Du coup, certains personnages ont disparu, d’autres sont apparus, et d’autres ont évolué. Le nouveau crédo : l’amoUr (oui avec un gros z» u» ). Finies les répliques qui tuent, les scènes décalées. Fini l’imperméable magique de Jerry et les chemise de « ouf»  de Parker. Le titre même a été modifié, et là où il ne perdait jamais, désormais Parker n’était plus que lui-même et pis c’est tout.

Parker aurait-il perdu finalement ?

Peut-être, mais au final il nous restera de bons souvenirs.

Du coup pour le plaisir je vous balance deux petites vidéos, la première étant le générique d’introduction de la série, la seconde étant une bande annonce que j’ai dégoté faite par un fan qui je trouve retransmet bien l’esprit de la série. Il est possible de trouver des épisodes sur le net mais ça ne me regarde pas, je compte sur vos talents de détective pour les trouver.

Le générique :

La bande annonce maison d’un fan :